sábado, 15 de julio de 2017

Habitando el país de las imágenes: cineastas y pintores

6 comentarios:

  1. Sentí una emoción muy especial, allá por el año 1988, cuando ví la película de Derek Jarman sobre "Caravaggio". Resultó muy bueno evocarla en este vídeo ilustrativo de las relaciones entre Cine y Pintura,
    Es una excelente conferencia que ilustra sobre cuestiones relevantes acerca de la obra de arte visual.
    Puede percibirse, hoy, un retorno a las imágenes, por la multiplicación de las mismas; a pesar de que nuestra civilización "quiérase o no, es una civilización del lenguaje" jacques Aumont, La imagen
    Asistir a la sala cinematográfica requería silencio, para mirar y escuchar un cine eminentemente narrativo.
    La secuencia de la película de Kurosawa sobre la obra de Van Gogh sobre "Cría Cuervos", y la posterior presencia del espectador observando el cuadro, es magnífica. Pone de manifiesto la imaginación del espectador que lo llevó a caminar por la obra. Este tema me apasiona desde mi segunda infancia, cuando presencié los "cuadros vivos", no recuerdo las obras, tampoco, creo, que no las citaron . Soñé con verlo realizado con "Las Meninas" de Velázquez.
    Sobre todo resaltar la presencia del espejo al final del cuadro con los personajes en vivo que allí se reflejan y explican toda la obra, precisamente la presencia de la luz.
    Otro detalle magnífico es la presencia de la obra de arte en la obra de Grenaway, En su momento no pude apreciar la obra de Hals. Me resultó violenta la película.
    Toda película, o mejor film, requiere algún conocimiento básico en el espectador acerca de la secuencia y el montaje, son bloques de tiempo, entre los cuales ya no hay más que relaciones temporales implícitas. Saber algo sobre el cambio de plano en una película, saber que un cambio de plano presenta una discontinuidad temporal en el rodaje, que la cámara no se ha desplazado sino que ha habido entre la filmación y la proyección, esa otra operación que es el montaje, El actor del film de Kurosawa que mira el cuadro de Van Gogh, cuando ya lo recorrió, creo que lo comprendió.

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  2. viernes, 6 de julio de 2012
    CARAVAGGIO(DEREK JARMAN,1986)-RESTAURACIÓN DE "lA RESURRECCIÓN DE LÁZARO"

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  3. Club Silencio, inspirada en un lugar clave de la enigmática película de Lynch 2001, se inaugurará en la capital francesa este mes de septiembre, repleto, con un interior diseñado por el propio director. "Me gusta cómo la arquitectura y el diseño crean el estado de ánimo", explicó Lynch a The New York Times.
    Aclamado por la crítica como una de las mejores películas de Lynch, Mulholland Drive gráficos de las aventuras de una joven estrella de Hollywood y una femme fatale amnésico. Su viaje los lleva detrás de las cortinas de terciopelo rojo en el "Club Silencio", donde se les asegura que una multitud de misterios - el significado de la llave azul, el paradero de la tía Ruth - se explica.
    Con base en la calle de Montmartre, el de la vida real del Club Silencio se informa, incluye una sala de conciertos, restaurante, biblioteca y cine.Visitantes es previsible que se aconseja evitar el contenedor por la parte trasera, donde se rumorea que un vagabundo se encuentra a la espera.
    www.guardian.co.uk
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    31 de agosto 2011

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  4. David Lynch, en este blog, el 11 de diciembre de 2011, 20 de diciembre de 2011.
    14 de junio de 2011, 14 de diciembre de 2014. 21 de diciembre de 2011

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  5. En los inicios del cine, destacan algunos precursores como William Friese-Greene que patentó un aparato "destinado a tomar fotografías en series rápidas", y Robert William Paul que partiendo de los modelos de Edison, no patentados en Inglaterra, construye en 1894 el kinetoscopio inglés, para el que creará, al año siguiente, una cámara portátil con la que producir sus propias películas.

    Una de las aportaciones más originales de este primitivo cine británico es la de la llamada Escuela de Brigthon (1), a la que pertenecen un grupo de profesionales iniciados tanto en la fotografía como en la incipiente cinematografía. Sus más insignes representantes son George Albert Smith y James Williamson, que comienzan rodando películas según el estilo Lumière, pero que pronto abordan pequeños relatos cómicos, dramáticos o de fantasía, para los que habrán de echar mano a algunos recursos narrativos muy innovadores. El movimiento de los personajes se realiza tanto a lo ancho como en profundidad, interrumpen el plano general de la acción para intercalar un plano más corto, un primer plano, que permita ampliar detalles. Aportaciones como éstas constituyen los pilares sobre los que habrá de construirse el montaje cinematográfico. También utilizan recursos innovadores como la sobreimpresión, la panorámica y el travelling.

    Films de Paul y Smith
    Y aún hay más. En Ataque a una misión china (2) (Attack on a China Mission, 1900), en la que Williamson reconstruye, desde una perspectiva colonialista, un episodio de la rebelión de los boxers, la acción se traslada, a lo largo de sus cinco minutos de duración, a través de cuatro cuadros o escenarios distintos, dando al relato una vivacidad y un sentido expresivo sin precedentes. Esta intencionalidad en el montaje de secuencias supone un paso hacia una narrativa propiamente cinematográfica, y un alejamiento de la vía teatral, muy presente en la obra de Méliès. Esta fragmentación del acontecimiento, narrado en varias secuencias, empleando el plano/contraplano y un boceto de acciones paralelas, la aplica Williamson a otro de sus hallazgos: la persecución, elemento esencial del cine de acción, de aventuras y del western. Frente a esta opción narrativa, ideada por Williamson, el genio teatral de Méliès se habría limitado a coreografiar la persecución sobre el escenario, en un único plano general y con la cámara inmóvil.

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  6. (...)En 1915 dirigió El nacimiento de una nación (The Birth of the Nation) considerada como el despegue del cine con relación al teatro filmado, debido fundamentalmente a que:

    En ella Griffith consigue sistematizar y dar coherencia a todos los elementos narrativos que antes se habían utilizado de forma más o menos ocasional.
    Construye un lenguaje propio, sólido y eficaz.
    Fija unas convenciones que la gramática fílmica no perderá ya nunca.
    Además, la película -que trata de la relación entre dos familias rivales en la Guerra de Secesión americana- sitúa al cine dentro del aparato industrial, por el alto presupuesto con el que contó el film (115.000 dólares de la época que sirvieron, entre otras cosas, para mover a más de 15.000 personas), por la insólita duración del film para la época (2 horas y 45 minutos) y porque su estreno llevó aparejado un espectacular éxito de público, aunque también fue causa de escándalos y críticas por su sesgo racista.

    Un año más tarde dirigió Intolerancia (Intolerance (1)) en la que colaboraron von Stroheim, Browning, Fleming...) donde tiró la casa por la ventana elevando el presupuesto a la increíble cantidad de dos millones de dólares (de 1916), que invirtió en colosales decorados y en la contratación de miles de extras. El argumento, basado en la intolerancia de la que ha hecho gala la humanidad a lo largo de los tiempos, se estructuró en cuatro episodios que recreaban distintas épocas y geografías. Para aglutinar la disparidad histórica de los cuatro episodios, Griffith introdujo un motivo poético que evocaba unos versos de Walt Whitman, "Endlessly rocks the Cradle/Uniter of here and hereafter".

    Sin embargo, Intolerancia resultó un enorme fracaso comercial. Ni el público ni la crítica (salvo los directores rusos, a los que la película influyó notablemente algún tiempo después) se mostraron dispuestos a asumir con naturalidad los entresijos simbólicos de la nueva propuesta de Griffith. Visto desde hoy, sin embargo, el film reúne de nuevo lo mejor de su repertorio narrativo, con una eficacia tan contundente, sino más, que la mostrada en El nacimiento de una nación.

    Griffith, como muchos otros directores, se lanzó a la aventura de crear sus propias productoras. Así, en 1915, participó junto a Ince y Sennett en la Triangle Pictures, que tuvo una vida muy corta.

    Poco despues, en 1919, Griffith fundó junto a Douglas Fairbanks, Mary Pickford y Charles Chaplin, la productora United Artists (con lo que reivindicaba el status del director como estrella).
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