Vamos a hablar sobre el lugar de Chris Burden, tanto en la escena artística local nacional, internacional y. ¿Dónde te lo puso?
Paul Schimmel, que era el conservador jefe del Museo de Arte Contemporáneo durante mucho tiempo y conocía bien el artista, dijo algo que me pareció muy apropiado: "Chris puede muy bien haber sido el último auténtico, artista de vanguardia." La idea de una vanguardia ha desaparecido prácticamente, ya que ha sido completamente absorbido por la cultura dominante, y en algunos aspectos que es el caso con el trabajo de carga.
"Urban Light" se ha convertido en una especie de icono de la ciudad, pero incluso las personas que adoran que la escultura pública tiene una gran cantidad de dificultades para envolver la cabeza en torno al trabajo el rendimiento de la carga de los años 70, que queda fuera del ámbito de "aceptabilidad" teniendo en cuenta los tipos de actuaciones a menudo peligrosos ejecutó. Las personas se rascan la cabeza y me pregunto, ¿Por qué iba alguien a hacer eso?
Vamos a hablar un poco acerca de sus obras del cuerpo, muchos de los cuales tenían una especie de doblado sadomasoquista. Chris Burden mismo había disparado, clavó a sí mismo a un Volkswagen, que se prendió fuego y casi fue electrocutado. ¿Cuál fue la importancia de este tipo de trabajos, utilizando su cuerpo como parte del lienzo en el que él estaba construyendo su arte?
Para "Dispara", que fue la primera actuación del cuerpo notorio que lo hizo en 1971, tenía un amigo suyo con un rifle de pie a unos 15 pies de distancia de él y pegarle un tiro en el brazo. Obviamente la gente le preguntaba por qué estaba haciendo una cosa tan loca, y Chris dijo que lo hizo porque quería saber lo que era.www-scpr.org
¿Hubo un punto en que su trabajo del cuerpo o del trabajo de rendimiento se hicieron más conceptual? ¿O era esa clase de una evolución natural para pasar de algo así como "Shoot" a algo así como "Luz urbana"?
Creo que hay un componente conceptual desde el inicio de la obra de Chris, y es una de las razones que él es una figura tan significativa: fue capaz de tomar de rendimiento en el trabajo y de infundir en los objetos. Pasó de hacer actuaciones a hacer lo que comúnmente se llama "escultura de rendimiento", y los objetos que él hizo son cosas para ser manipulados, utilizados u operados por el artista, sus sustitutos o de la audiencia.
Una de las razones "Urban Light" es tan popular es que se puede ir allí a cualquier hora del día y los niños están subiendo en él, tener sus fotografías tomadas, fotografías de la boda se tiran allí - se incrusta en los espectadores cuerpo y los espectadores de experiencia .
¿Has podido pasar más tiempo con Chris Burden en su estudio o cuando estaba trabajando?
Lo conocí a finales de 1980, por extraño que parezca, no en Los Angeles, pero en Viena, Austria, donde participaba en una exhibición. Me preguntaron si me gustaría filmar una entrevista con él, que yo estaba feliz de hacer, pero también estaba un poco aterrorizado debido a la reputación de todas esas primeras actuaciones.
Incluyendo una en la que sostiene un cuchillo a alguien le entrevista para la televisión.
[risas] Exactamente. "TV Secuestro," esa pieza se llama. Y cuando me senté con él, me encontré con un hombre que estaba - Quiero decir que es un relativamente corto, robusto, compacto, casi como un bulldog. Pero él se enfocó, él se quedó pensativo, y él era muy inteligente. Yo estaba un poco resaca de haber estado en una fiesta la noche anterior, y me mantuve en la pista en la entrevista. Pensé, este es un tipo que sabe exactamente lo que está haciendo y lo que está a punto.www.scpr.org
La escultura de Chris Burden en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, "Metropolis II," es una sobrecarga sensorial gigante - coches brillantes genio pasado en una enorme pista de Hot Wheels en un bucle sin fin, impulsado por las cintas transportadoras que crean un zumbido constante de la electricidad. Todo el asunto es tan fuerte y cinética puede realmente sentir su energía en la habitación. Y si todo lo que viene del exterior derecho de la escultura, imaginar lo que es como estar dentro de la bulliciosa "ciudad".
Alison Walker era uno de los ayudantes de estudio de Carga que ayudó a montar "Metropolis II." Ella dice que tomó un equipo de ocho personas "cinco años y medio ... a tiempo completo" para construir la escultura, la que caracteriza como "una máquina". Algunos de los ingredientes de que la máquina: 96 coches únicos, tres sistemas de transporte, y dos rampas que son aproximadamente 12 pies de altura.
Pero esa máquina también tiene un elemento humano en su centro, y ahora ese elemento es Walker. Para trabajar con seguridad dentro del caos controlado de "Metropolis II," ella necesita anteojos de seguridad - "hay una gran cantidad de objetos metálicos puntiagudos, afilados dentro de allí" - y tapones para los oídos. Mientras que ella puede reducir algunos de los ruidos de la escultura, que no puede ahogar todo hacia fuera: "El sonido es una forma de indicar si hay un problema Si se descarriló un tren, que hará que el ruido, y necesito. ser capaz de oír eso ".
Walker también tiene un equipo específico para su puesto de trabajo dentro de la ciudad: "me pongo un traje de una sola pieza, así que no tengo ningún margen que pueden quedar enganchadas, y no tiene que preocuparse de la exposición de mi espalda cuando me agacho para recoger un coche. Me pongo lo mismo que trabajar cada vez que me voy a operar la escultura para el público ".
Manejo de la escultura no se limita a exigir el vestuario y accesorios; que requiere una gran cantidad de prestigio, también. Walker dice: "Mucha gente se pregunta," ¿Cómo es que no hay una silla en el interior hay qué no puedes sentarte?? '"Ella confiesa que ella tenía algo que hacer con respecto a esa decisión:" Hubo un debate en el estudio cuando estábamos construyendo la escultura, y yo estaba en el campamento que votó en contra de una silla y ahora soy la persona que ejecuta la escultura 12 horas del fin de semana Pero todavía estamos de acuerdo -... sin silla "
Walker argumenta: "Tengo que estar en movimiento y ser capaz de gusano en alguna parte para solucionar un problema, pero al final del día, después de haber corrió durante cuatro horas, es un gran alivio cuando se queda en silencio.".
Sin embargo, algunas personas nunca quieren el espectáculo hasta el final, y, a veces, Walker dice: "Los patronos abuchean cuando lo apago, y creo que, si supieran lo que era de pie aquí dentro, estarían animando. " Pero entonces ella se ríe mientras se contradice: "Muchas veces los clientes Clap, por lo que es bueno me siento importante.".www.scpr.org
En esta conferencia, Philippe-Alain Michaud (París) discutirá el enfoque cinematográfico de Aby Warburg a la historia del arte y la cuestión de la reactivación del pasado.
Hora y lugar: 30 de mayo 2015 PM 1:00 - 03:00 PM, Stenersenmuseet (Diorama)
LA IMAGEN EN MOVIMIENTO Aby Warburg; O LA PUESTA EN ESCENA DE HISTORIA DEL ARTE
Aby Warburg (1866-1929), el gran historiador del arte alemán que fundó la escuela de iconología y prestó su nombre al famoso Instituto Warburg (hoy sede en Londres), también lleva a cabo un desplazamiento radical de los conceptos en los que la disciplina fundada sus principios fundamentales. Este desplazamiento hasta ahora no ha sido analizada en sus últimas consecuencias. En sus estudios sobre el Renacimiento, Warburg ya no estaba tratando de interpretar o analizar los hechos visuales del pasado. En su lugar, quería reactivar el pasado, cambiando así el sentido mismo de la noción de representación: el conocimiento no fue concebida como discurso, sino como re-presentación que tendrá lugar en un escenario. Para entender este cambio, hay que volver a la Warburg viaje realizado en 1895 a Arizona, donde asistió a los rituales Hopi, y las consecuencias de este viaje - la invención de un nuevo método histórico de arte fundada en las ideas de proyección y montaje , tomado de la tecnología recién nacido de la película. Philippe Alain Michaud es curador del Centro Pompidou, París, encargado de la colección de películas. Él es el autor de Aby Warburg y la Imagen en Movimiento (Nueva York, Zona Books, 2006) y ha escrito extensamente sobre las relaciones entre el arte y el cine. También ha comisariado varias exposiciones dedicadas a los mismos temas. El evento es una colaboración entre el Museo Stenersen, El Seminario de Estética y Blaker meieris venner. Con el apoyo de la Fundación Fritt Ord. hf.uio.no
Vamos a hablar sobre el lugar de Chris Burden, tanto en la escena artística local nacional, internacional y. ¿Dónde te lo puso?
ResponderEliminarPaul Schimmel, que era el conservador jefe del Museo de Arte Contemporáneo durante mucho tiempo y conocía bien el artista, dijo algo que me pareció muy apropiado: "Chris puede muy bien haber sido el último auténtico, artista de vanguardia." La idea de una vanguardia ha desaparecido prácticamente, ya que ha sido completamente absorbido por la cultura dominante, y en algunos aspectos que es el caso con el trabajo de carga.
"Urban Light" se ha convertido en una especie de icono de la ciudad, pero incluso las personas que adoran que la escultura pública tiene una gran cantidad de dificultades para envolver la cabeza en torno al trabajo el rendimiento de la carga de los años 70, que queda fuera del ámbito de "aceptabilidad" teniendo en cuenta los tipos de actuaciones a menudo peligrosos ejecutó. Las personas se rascan la cabeza y me pregunto, ¿Por qué iba alguien a hacer eso?
Vamos a hablar un poco acerca de sus obras del cuerpo, muchos de los cuales tenían una especie de doblado sadomasoquista. Chris Burden mismo había disparado, clavó a sí mismo a un Volkswagen, que se prendió fuego y casi fue electrocutado. ¿Cuál fue la importancia de este tipo de trabajos, utilizando su cuerpo como parte del lienzo en el que él estaba construyendo su arte?
Para "Dispara", que fue la primera actuación del cuerpo notorio que lo hizo en 1971, tenía un amigo suyo con un rifle de pie a unos 15 pies de distancia de él y pegarle un tiro en el brazo. Obviamente la gente le preguntaba por qué estaba haciendo una cosa tan loca, y Chris dijo que lo hizo porque quería saber lo que era.www-scpr.org
¿Hubo un punto en que su trabajo del cuerpo o del trabajo de rendimiento se hicieron más conceptual? ¿O era esa clase de una evolución natural para pasar de algo así como "Shoot" a algo así como "Luz urbana"?
ResponderEliminarCreo que hay un componente conceptual desde el inicio de la obra de Chris, y es una de las razones que él es una figura tan significativa: fue capaz de tomar de rendimiento en el trabajo y de infundir en los objetos. Pasó de hacer actuaciones a hacer lo que comúnmente se llama "escultura de rendimiento", y los objetos que él hizo son cosas para ser manipulados, utilizados u operados por el artista, sus sustitutos o de la audiencia.
Una de las razones "Urban Light" es tan popular es que se puede ir allí a cualquier hora del día y los niños están subiendo en él, tener sus fotografías tomadas, fotografías de la boda se tiran allí - se incrusta en los espectadores cuerpo y los espectadores de experiencia .
¿Has podido pasar más tiempo con Chris Burden en su estudio o cuando estaba trabajando?
Lo conocí a finales de 1980, por extraño que parezca, no en Los Angeles, pero en Viena, Austria, donde participaba en una exhibición. Me preguntaron si me gustaría filmar una entrevista con él, que yo estaba feliz de hacer, pero también estaba un poco aterrorizado debido a la reputación de todas esas primeras actuaciones.
Incluyendo una en la que sostiene un cuchillo a alguien le entrevista para la televisión.
[risas] Exactamente. "TV Secuestro," esa pieza se llama. Y cuando me senté con él, me encontré con un hombre que estaba - Quiero decir que es un relativamente corto, robusto, compacto, casi como un bulldog. Pero él se enfocó, él se quedó pensativo, y él era muy inteligente. Yo estaba un poco resaca de haber estado en una fiesta la noche anterior, y me mantuve en la pista en la entrevista. Pensé, este es un tipo que sabe exactamente lo que está haciendo y lo que está a punto.www.scpr.org
La escultura de Chris Burden en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, "Metropolis II," es una sobrecarga sensorial gigante - coches brillantes genio pasado en una enorme pista de Hot Wheels en un bucle sin fin, impulsado por las cintas transportadoras que crean un zumbido constante de la electricidad. Todo el asunto es tan fuerte y cinética puede realmente sentir su energía en la habitación. Y si todo lo que viene del exterior derecho de la escultura, imaginar lo que es como estar dentro de la bulliciosa "ciudad".
ResponderEliminarAlison Walker era uno de los ayudantes de estudio de Carga que ayudó a montar "Metropolis II." Ella dice que tomó un equipo de ocho personas "cinco años y medio ... a tiempo completo" para construir la escultura, la que caracteriza como "una máquina". Algunos de los ingredientes de que la máquina: 96 coches únicos, tres sistemas de transporte, y dos rampas que son aproximadamente 12 pies de altura.
Pero esa máquina también tiene un elemento humano en su centro, y ahora ese elemento es Walker. Para trabajar con seguridad dentro del caos controlado de "Metropolis II," ella necesita anteojos de seguridad - "hay una gran cantidad de objetos metálicos puntiagudos, afilados dentro de allí" - y tapones para los oídos. Mientras que ella puede reducir algunos de los ruidos de la escultura, que no puede ahogar todo hacia fuera: "El sonido es una forma de indicar si hay un problema Si se descarriló un tren, que hará que el ruido, y necesito. ser capaz de oír eso ".
Walker también tiene un equipo específico para su puesto de trabajo dentro de la ciudad: "me pongo un traje de una sola pieza, así que no tengo ningún margen que pueden quedar enganchadas, y no tiene que preocuparse de la exposición de mi espalda cuando me agacho para recoger un coche. Me pongo lo mismo que trabajar cada vez que me voy a operar la escultura para el público ".
Manejo de la escultura no se limita a exigir el vestuario y accesorios; que requiere una gran cantidad de prestigio, también. Walker dice: "Mucha gente se pregunta," ¿Cómo es que no hay una silla en el interior hay qué no puedes sentarte?? '"Ella confiesa que ella tenía algo que hacer con respecto a esa decisión:" Hubo un debate en el estudio cuando estábamos construyendo la escultura, y yo estaba en el campamento que votó en contra de una silla y ahora soy la persona que ejecuta la escultura 12 horas del fin de semana Pero todavía estamos de acuerdo -... sin silla "
Walker argumenta: "Tengo que estar en movimiento y ser capaz de gusano en alguna parte para solucionar un problema, pero al final del día, después de haber corrió durante cuatro horas, es un gran alivio cuando se queda en silencio.".
Sin embargo, algunas personas nunca quieren el espectáculo hasta el final, y, a veces, Walker dice: "Los patronos abuchean cuando lo apago, y creo que, si supieran lo que era de pie aquí dentro, estarían animando. " Pero entonces ella se ríe mientras se contradice: "Muchas veces los clientes Clap, por lo que es bueno me siento importante.".www.scpr.org
En esta conferencia, Philippe-Alain Michaud (París) discutirá el enfoque cinematográfico de Aby Warburg a la historia del arte y la cuestión de la reactivación del pasado.
ResponderEliminarHora y lugar:
30 de mayo 2015 PM 1:00 - 03:00 PM, Stenersenmuseet (Diorama)
LA IMAGEN EN MOVIMIENTO
Aby Warburg; O LA PUESTA EN ESCENA DE HISTORIA DEL ARTE
Aby Warburg (1866-1929), el gran historiador del arte alemán que fundó la escuela de iconología y prestó su nombre al famoso Instituto Warburg (hoy sede en Londres), también lleva a cabo un desplazamiento radical de los conceptos en los que la disciplina fundada sus principios fundamentales. Este desplazamiento hasta ahora no ha sido analizada en sus últimas consecuencias. En sus estudios sobre el Renacimiento, Warburg ya no estaba tratando de interpretar o analizar los hechos visuales del pasado. En su lugar, quería reactivar el pasado, cambiando así el sentido mismo de la noción de representación: el conocimiento no fue concebida como discurso, sino como re-presentación que tendrá lugar en un escenario. Para entender este cambio, hay que volver a la Warburg viaje realizado en 1895 a Arizona, donde asistió a los rituales Hopi, y las consecuencias de este viaje - la invención de un nuevo método histórico de arte fundada en las ideas de proyección y montaje , tomado de la tecnología recién nacido de la película. Philippe Alain Michaud es curador del Centro Pompidou, París, encargado de la colección de películas. Él es el autor de Aby Warburg y la Imagen en Movimiento (Nueva York, Zona Books, 2006) y ha escrito extensamente sobre las relaciones entre el arte y el cine. También ha comisariado varias exposiciones dedicadas a los mismos temas. El evento es una colaboración entre el Museo Stenersen, El Seminario de Estética y Blaker meieris venner. Con el apoyo de la Fundación Fritt Ord. hf.uio.no