miércoles, 19 de agosto de 2015

PASTELITICA POLEMICA PREMIOS KONEX

5 comentarios:

  1. Con Hans Haacke

    Organiza Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

    La obra de Hans Haacke (Colonia, 1936) ha tomado la forma, las palabras y el estilo de sistemas externos al mundo del arte -desde el sistema físico y ambiental hasta el social y político-, con la finalidad de comunicar las frecuentes interdependencias y equivalencias que se establecen entre ellos. Haacke se apropia de los significados que prevalecen en estos sistemas, los selecciona y organiza fuera de sus fuentes, y los recontextualiza en el ambiente del museo o de la galería. Subrayando hechos aceptados como ordinarios y desenmascarando otros ignorados, incrementa la conciencia de las ideas.

    Los mensajes que comunica este artista se enfrentan abiertamente al statu quo. De ahí el rechazo hacia Haacke de historiadores y críticos -que denuncian la aparente ausencia de cualidades específicamente estéticas en su producción-, y de las autoridades culturales, que evitan presentar sus propuestas artísticas en el marco de las instituciones que dirigen, a causa de la dura crítica social y política que contienen. Por consiguiente, la heterodoxia y la polémica son características que determinan la obra de Haacke.

    Hans Haacke estuvo vinculado al grupo Zero de Düsseldorf, un colectivo de jóvenes artistas que, a finales de los años cincuenta, se caracterizó por la búsqueda de nuevas estrategias artísticas. Haacke encontraría muy pronto sus propias estrategias. Partiendo de elementos naturales (el hielo, la tierra, el agua, el aire), creaba estructuras complejas en las que el tiempo, la energía y el espacio adquirían formas transitorias, de modo que no obtenía piezas de exposición petrificadas sino procesos que él llamaba sistemas de tiempo real. Así por ejemplo, en Condensation Cube (Cubo de condensación, 1963-1965), provocaba un proceso de condensación de agua en el interior de un cubo de plexiglás sellado, donde se formaban gotas de distintas medidas, algunas de las cuales crecían tanto que resbalaban por las paredes del recipiente dejando su rastro vertical. El aspecto del contenedor cambiaba lenta, pero constantemente, y no se repetía nunca.

    De la experimentación con sistemas físicos pasó al sistema animal, y luego a investigar y manipular sistemas de información. Si en sus obras siempre se había detectado el impulso de intimidar al espectador, a finales de los años sesenta lo involucró en la obra mediante encuestas y estudios. En Polls (Encuestas, 1969-1973), Hans Haacke efectuó una serie de encuestas entre el público asistente a distintas exposiciones celebradas en Alemania y Estados Unidos. Se solicitaba a los visitantes datos que incluían desde su lugar de nacimiento y residencia a su postura ante un hecho político determinado. Los datos recogidos se procesaban por ordenador a fin de obtener el perfil estadístico de los visitantes de la muestra.

    Como precursor de un arte entendido de modo ecológico y representante de un arte de orientación procesual, en 1971, los responsables del Solomon R. Guggenheim Museum decidieron dedicarle una exposición individual. Para esta muestra, Haacke concibió Shapolsky et al. Manhattan Real State Holdings, a Real-Time Social System, as of May 1, 1971 (Shapolsky et al. Sociedades inmobiliarias de Manhattan, un sistema social de tiempo real, a 1 de mayo de 1971), donde denunciaba el sistema de depauperación planificada de barrios urbanos propio de la especulación inmobiliaria.
    (...)
    en este blog el 30 de marzo de 2012

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  2. Daniel Buren

    Daniel Buren ha puntuado los últimos 40 años de arte con intervenciones inolvidables, textos críticos y controversiales, proyectos de arte público generadores de pensamiento, y en colaboración con diferentes artistas de distintas generaciones. Todas sus intervenciones son "pinturas" que se apropian del color y del espacio. Son herramientas críticas acreca de cómo nos vemos y percibimos, de la manera en la que el espacio puede ser usado, apropiado, y revelado en en su naturaleza física y social. En su trabajo, la vida encuentra su camino, mientras que el arte autónomo es capaz de reconectar con la vida. Su última exhibición, "Ecos, trabajo in situ" se muestra en el Centro Pompidou Metz hasta el 9 de Septiembre El 10 de junio de 2011 en este blog Lisson Gallery

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  3. El arte ya no es para inicidados (...)
    -¿Qué es lo que hace que se ponga de moda un determinado período artístico con sus obras?
    -Obviamente no es un solo factor y tampoco se puede anticipar. En el caso de los conceptualismos, se han revalorizado porque actualmente hay neo-conceptualismos. Por ejemplo, en las bienales, el tipo de obra que circula está basada en la pos-producción, es decir, están hechas con materiales que se editan en el espacio de la sala. Esto remite mucho al momento de gestación o de origen que son los 60. Pero por entonces, no se llamaban “site- especific”. Me parece que el estado actual del arte orientó una mirada histórica que recuperó prácticas que se desarrollaron desde esa década. Al mismo tiempo, un trabajo historiográfico de reconstrucción de esas prácticas, la utilización de la historia oral, la relevancia de los artistas, el rescate de archivos orales, de los documentos, la exhibición de documentos en el espacio de exposición, el hecho de que vos vas hoy en día a ver una exhibición y, bueno, la obra no existe pero lo que existen son los audios, los registros fotográficos, una cantidad de vitrinas y de documentos dispuestos en distintos displays… Todo esto ha revalorizado estas prácticas, y creo que el que existe es un diálogo histórico entre el arte que se está produciendo en este momento –que tiene relación con las condiciones de exhibición–, y la mirada histórica hacia aquellas otras obras que son como relatos iniciales, de origen o referencias.Andrea Giunta en este blog el 28 de abril de 2012

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  4. CaixaForum presenta la exposición Cartografías contemporáneas. Dibujando el pensamiento que propone un mapa de las cartografías elaboradas por artistas de los siglos XX y XXI, con el objetivo de invitar a los visitantes a interrogarse sobre los sistemas de representación que usamos y las nociones subyacentes.
    “Se trata de una muestra compleja que surge de ver cómo los artistas usan cada vez más los mapas”, explica la comisaria de la exposición Helena Tatay. “Los artistas subvierten los lenguajes y proponen nuevas manera de representar”, añadió Tatay.
    El ser humano cartografía el mundo en un intento de captar la realidad en que vive. Desde siempre, los mapas han representado, traducido y codificado todo tipo de territorios físicos, mentales y emocionales. La representación del mundo ha evolucionado en los últimos siglos y, ahora, con la globalización e Internet, se han transformado definitivamente los conceptos tradicionales de tiempo y espacio, así como los métodos de representación del mundo y el conocimiento.
    Diferentes artistas y formatos
    La exposición está constituida por más de 140 obras de formatos muy variados (desde mapas y dibujos hasta videoinstalaciones y arte digital), procedentes de los principales museos de arte contemporáneo, donde conviven nombres esenciales como Salvador Dalí, Paul Klee, Marcel Duchamp, Yves Klein, Gordon Matta-Clark, Richard Hamilton, Mona Hatoum o Richard Long; una amplia representación de artistas actuales que han subvertido el lenguaje cartográfico, como Art & Language, Artur Barrio, Carolee Schneemann, Ana Mendieta, Erick Beltrán, On Kawara o Alighiero Boetti.
    La necesidad humana de entender y representar su entorno es el punto de partida de la muestra, cuya finalidad es observar cómo los artistas contemporáneos han usado el lenguaje cartográfico para subvertir los sistemas de representación tradicionales, ofrecer nuevas fórmulas o cuestionarse la propia imposibilidad de representación de un mundo globalizado y cada día más caótico.27 de noviembre de 2012, en este blog
    Artistas contemporáneos se cuestionan sistemas de representación

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  5. El grupo de galerías Tate, que otorgará el preciado galardón el 7 de diciembre, dio a conocer a los cuatro finalistas de la edición de este año, que son además Bonnie Camplin con "The Military Industrial Complex"; Janice Kerbel con "DOUG"; y Nicole Wermers con "Infrastruckur".

    La "obra" de Assemble muestra la transformación de Granby Four Streets, en el área de Toxteh -un conjunto de casas de protección oficial semiabandonadas, contra cuya demolición los vecinos hacía años que luchaban-, en una urbanización ideal para vivir, con plantas y flores y un mercado callejero mensual.
    Londres, 12 may (EFE).- Un proyecto de regeneración de vivienda social en un barrio deprimido de la ciudad inglesa de Liverpool, por el colectivo artístico londinense Assemble, es uno de los candidatos al premio Turner de arte contemporáneo, anunció hoy el grupo Tate.

    Assemble, formado por 16 artistas de menos de 30 años, "no ocupa el ámbito del artista solitario y genial, sino que es una actividad colectiva que trabaja en la sociedad, no dentro de la estructura jerárquica del mundo del arte", manifestó hoy Alastair Hudson, miembro del jurado de los Turner.

    "En una época en la que todo puede ser arte, ¿por qué no tener un complejo de vivienda social?", se preguntó este juez.(...)
    www.elconfidencial.com

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