Repetición, sumisión y amenaza en la obra de Vito Acconci | CHRISTINA GRAMMATIKOPOULOU
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Durante las últimas cinco décadas Vito Acconci ha experimentado con diferentes tipos de arte, desde la poesía hasta la performance, pasando por el vídeo, la arquitectura y el diseño del paisaje. La diversidad de sus intereses y capacidades se manifiesta en sus obras de la década de los 60 y principios de los 70, donde la palabra y la acción se reparten en vídeos y actuaciones repetitivas.
Acconci tiene un interés particular por las acciones cotidianas. Siguiendo una tendencia que era particularmente popular durante la década de 1960, debido a la influencia del pop-art, Acconci se centra en lo mundano, tratando de extraer y proyectar su valor estético oculto.
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Vito Acconci, Running Tape, 1969
Vito Acconci, Running Tape, 1969
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En su obra sonora Running Tape (1969) Acconci atraviesa el Central Park de Nueva York, contando cada paso y grabando su voz mientras corre. Su respiración intensa subraya su esfuerzo.
En su obra sonora Running Tape (1969) Acconci atraviesa el Central Park de Nueva York, contando cada paso y grabando su voz mientras corre. Su respiración intensa subraya su esfuerzo.
Una grabadora de casetes en mi cinturón, un micrófono en la mano. Correr, y contar cada paso mientras corro. (Cuando es necesario –cuando mis palabras se confunden, cuando estoy sin aliento- paro y respiro en el micrófono, recuperando el aliento, hasta que puedo continuar mi marcha, continuar mi recuento).[1]
Como él cuenta y registra cada salto, su acción adquiere un significado diferente. Correr es un acto cotidiano, pero contar cada paso le da un significado diferente; hace hincapié en el elemento de la repetición en la vida diaria y refleja la problemática presentada por Deleuze, en lo que se refiere a la repetición, la vida cotidiana y el arte:
No hay otro problema estético que el de la inserción del arte en la vida cotidiana. Cuando más estandarizada, estereotipada y sometida a una reproducción acelerada de objetos de consumo parece nuestra vida, más debe aferrarse el arte a ella y arrancarle esa pequeña diferencia que actúa por otra parte y simultáneamente entre otros niveles de repetición […][2]
Mediante la extracción de su contexto de acciones cotidianas, como correr o respirar, Acconci consigue darles un valor estético. Llevando este principio a un nivel más abstracto, creó el vídeo Aliento dentro (a) / Fuera (de) (Breath In (To) / Out (Of) 1971), donde en primer plano no se ve nada más que el estómago del artista; mientras que respira, su estómago se mueve dentro y fuera del marco. El aliento es la única acción en el vídeo, convirtiéndose en una performance artística.
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Vito Acconci, Claim Excerpts, 1971
Vito Acconci, Claim Excerpts, 1971
Vito Acconci, Seedbed, 1972
En la mayor parte del trabajo de Acconci, durante la década de los 70 la voz y el lenguaje tienen una presencia particularmente fuerte. En la mayor parte de ellos, el artista trata de implicar a los espectadores en la performance a través de sus palabras; así, los espectadores se convierten en cómplices de sus murmullos psicóticos -como por ejemplo en Extractos de demanda (Claim Excerpts, 1971), donde se sentó en un sótano, con los ojos vendados y armado con un tubo de metal, induciendose a sí mismo en un estado de paranoia mascullando amenazas continuas hacia los espectadores, o incluso de sus fantasías sexuales, como en su obra notoria Semillero (Seedbed, 1972), donde se escondió debajo del suelo de la galería, masturbándose y susurrando sus fantasías a las personas que pisaban el suelo.
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Vito Acconci, Open Book, 1974
Vito Acconci, Open Book, 1974
El vídeo Libro abierto (Open Book 1974) se desarrolla entre la amenaza y el deseo. En la pantalla se ve la parte inferior de la cara del artista, sin dejar nada más a la vista, excepto su boca. Acconci trata de hablar con el espectador sin cerrar la boca, utilizando solo las cuerdas vocales con leves movimientos de los labios, en lugar de usar los dientes y la lengua. Al cancelar uno de los pasos básicos en la formulación del habla, el artista proyecta el origen de la voz: su esfuerzo tiene como resultado un sonido de aire en el habla, un susurro con la respiración notablemente audible.
Las frases que pronuncia son de alguna manera misteriosas e inquietantes; el artista invita al espectador a hacer lo que quiera con su boca:
No estoy cerrada, estoy abierta. Entra. Puedes hacer todo lo que quieras conmigo. Entra. No te voy a parar. No puedo cerrar. No te voy a cerrar, no te voy a atrapar. Esto no es una trampa.
Es una invitación a ser dominado; sin embargo, hay una amenaza subyacente en la forma en la que habla la boca, como si estuviera tratando de atrapar al espectador. Solo para tranquilizarle, cuando se cierra en algún momento, le pide perdón:
Eso fue un error. No voy a cerrar. No te voy a cerrar. No te voy a cerrar dentro. Estoy abierto a todo.
Esta pasividad y entrega total al espectador está en contraste con las obras producidas por otros artistas masculinos de arte corporal y de performance en la década de 1970. Aun así, Acconci no renuncia totalmente a su papel activo, ya que es él mismo, quien pide ser dominado, en lugar de esperar a que el espectador tome la iniciativa. Además, el artista asegura que hay una barrera de tiempo y espacio entre él y el cumplimiento de los deseos de los espectadores, por lo que es una acción grabada.
Al fin y al cabo, es un puesto de seguridad, a diferencia de las estrategias que adoptaban las mujeres de la performance art de la década de 1960, que no solo se enfrentaban a los espectadores, sino también asumían la responsabilidad de las acciones de ellos. Sería interesante acordarnos aquí de la performance de Marina Abramović Rhythm 0 (1974), en la que se presentó ante el público con una nota que decía: “Hay 72 objetos sobre la mesa que se pueden utilizar en mí como se desee. Yo soy el objeto. Durante este período, asumo toda la responsabilidad”.[3]
Por otra parte, hay una similitud entre Open Book y la obra teatral de Samuel Beckett Not I. En la versión fílmica de la obra de Beckett, una boca adquiere vida propia: los labios, los dientes y la lengua se mueven de una manera exagerada, mientras la boca inhala aire y exhala palabras.
Al igual que en No Yo de Beckett, la Boca del Open Book de Acconci es una entidad propia. Sin embargo, en Beckett, La Boca niega persistentemente a la primera persona, cuando el auditor parece sugerir que la historia que narra es la suya: “¿Qué?… ¿quién?… ¡no!… ¡ella!”.[4] Por el contrario, Acconci no solo habla en primera persona, sino que también habla como si fuera una Boca; el artista se convierte en una Boca que habla.
La lengua y la narración en Acconci están sujetas a una corporalidad muy fuerte, que se vincula con la actividad física o el deseo sexual.
[1] Electronic Arts Intermix, [online] > (Consulta: 6 de septiembre de 2011)
[2] Gilles Deleuze, Diferencia y Repetición, Buenos Aires: Amorrortu, 2002, pp. 431-432.
[3] Véase Mary Richards, Marina Abramović, Routledge: New York, 2010, pp.87-88.
[4] Samuel Beckett, Not I, London: Faber & Faber, 1973. La frase se repite varias veces en el texto.
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Quería destacar la obra de Vito Acconci, artista de Nueva York tan diversos en su práctica como Ed Ruscha, John Baldessari y Bruce Nauman. Abordaron formas abiertamente lingïúísticas. Vito Acconci comenzó dedicándose a la poesía y a la escritura a principio de los años sesenta. Se sintió fascinado tanto por el arte minimalista como por los nuevos experimentos realizados en otros ámbitos artísticos.
ResponderEliminarPasó a experimentar en el marco de las performances, muchas veces en contacto directo con el público.Descubrió su propio cuerpo como su medio preferido
A mediadios de los años setenta dejan de utilizar activamente su propio cuerpo y empieza a trabajar en instalaciones espaciales. que. no obstante exigen a sus espectadores un mínimo de actividad corporal.
En la actualidad, se dedica a proyectos arquitectónicos intervencionistas en espacios urbanos. Es arquitecto.
Eran intentos por abordar una visión del arte como una formación estética cerrada en sí misma, como lo puede ser la obra de arte del siglo xix, Pintura y Escultura.
El conceptualismo ya se ha asentado firmemente en el arte contemporáneo. Las consecuencias del arte conceptual llegan muy lejos y la obra de artista como Jenny Holzer, Sherrie Levine, Cindy Sherman, Louise Lawler, Cildo Meireles, Juan Carlos Romero y otros sería imposible sin el enfrentamiento creativo con sus fundadores. Sometían a revisión crítica todos los aspectos del arte desarrollando una práctica artística profundamente irónica, crítica, distanciada y no ideológica.
¿Qué es el arte?
ResponderEliminarEl arte es una práctica social y cultural cuyo significado se ha visto modelado históricamente, entendiéndose hasta hoy según los parámetros que se definieron durante los siglos XVIII y XIX, simultáneamente a las revoluciones burguesas y proletarias, como un espacio de emancipación y de ensayo de alternativas poéticas al status quo. Contemporáneamente, el arte se ve de nuevo en la encrucijada de redefinirse en un contexto en el que sus rasgos diferenciales como la creatividad, la imaginación y la autonomía de la producción, se han expandido a muchos otros ámbitos del trabajo. El arte ya no tiene formatos o géneros delimitados sino que habita y se vehicula por cualquier medio o técnica. Esto lo amplifica, pero a la vez lo sitúa en un lugar inestable y en continua negociación.
- ¿Cuál crees que debe ser su función?
Como cualquier artefacto cultural complejo, tiene múltiples funciones, a veces contrarias entre sí, que van desde la estética, la política, la mercantil y hasta la decorativa. La principal de ellas varía con la situación y la voluntad del artista o colectivo, pero podría definirse en términos generales como una proposición poética que desestabiliza los códigos convencionales de la experiencia y genera una diferencia significativa que te lleva a resituarte ante el mundo y ante los demás. De ahí radica su importancia y su potencia en un mundo que tiende a diluir todas las diferencias en un único canal de uso y consumo.
- ¿Por qué decides dedicarte al mundo del arte?
Inicialmente por un impulso que podríamos describir como irracional, una tendencia o una vocación, que, sin embargo, va tomando forma y orientaciones específicas a partir de mi trayectoria vital y profesional.
- Por favor, haznos un breve resumen de cómo ves el mundo del arte contemporáneo.
Es un mundo en una profunda encrucijada, como apunté antes. El arte que es crisis en sí mismo por definición, se ve a su vez, como todos nosotros, ante una crisis general y sistémica que a menudo amenaza con desbordarlo y llevárselo por delante. A pesar de que ese miedo pueda paralizar a algunos, lo cierto es que la potencia poética e imaginativa del arte, así como su lógica nomádica, le dota de una posición privilegiada para iluminar nuevos itinerarios, nuevos modos de hacer.(...)
En este blog el 30 de marzo de 2012