jueves, 6 de marzo de 2014

FRANCIS BACON: "INTERPRETACIÓN DEL PAPA INOCENCIO X" DE VELÁZQUEZ

Francis Bacon: “Interpretación del Papa Inocencio X” de Velázquez


Francis Bacon murió en Madrid en 1992. Hay muchas teorías: Unas  dicen que vino tras los pasos de un joven del cual se había enamorado. Otras que hablan de su pasión por el Museo del Prado, Velázquez y Goya… Yo quiero pensar que vino detrás de Velázquez. Que el maestro sevillano fue el “joven” del cual se enamoró… Que mejor que dejarte morir cerca del amor de tu vida.

Hace ya algunos años, sentía una autentica repugnancia hacia Francis Bacon por culpa de este cuadro. ¿Cómo había osado aquel “ingles” mancillar la obra de Velázquez? ¡Y mira que hay cuadros que tiene que destrozar el retrato del Papa Inocencio X!
Pero como casi todas las afirmaciones rotundas que uno hace en la adolescencia o post-adolescencia, se curan con el tiempo y el aprendizaje.  Y ahora tengo que decir que soy un autentico enamorado de la obra de Bacon y especialmente de su visión del cuadro de Diego Velázquez.
Para empezar, yo también tengo una obsesión compulsiva con esta tela. Los cuadros “El Papa Inocencio X” y “Las Meninas”, se suman a “Muerte de Marat” de J.L. David, en una especie de bucle icónico que me persigue. Y es la atmosfera de estas pinturas lo que me obsesiona y precisamente, esa atmósfera, es la que busca Bacon en buena parte de sus obras.

Analicen las dos imágenes. La composición en la pieza de Velázquez es sublime (no quiero entrar en la perfección del retrato o el detalle de las ropas porque me volvería loco). Todo el peso en el lado izquierdo de la tela, cerrando por debajo para asentar la figura… Que no flote. Y en la derecha aire… Pero no solo aire en el aspecto analítico, para que respire la composición. No, digo AIRE. Ha pintado aquello que no se puede pintar: el aire, la atmosfera, lo que no se ve…
Imagino a Bacon volviéndose loco en su estudio, tras una noche de abusos (disfrutaba pintando de resaca) intentando re-estructurar el universo. “¿Cómo puedo pintar lo que ha pintado este señor? ¡Es imposible!”
Me lo imagino fascinado por el brillo de la Casilla, la luz transparente que brota de la tela y que produce una sensación de cercanía. Boquiabierto ante el gesto maléfico de alguien tan poderoso. La cabeza visible de la Iglesia, el dueño y señor del mundo terrenal… Y me lo imagino sollozando por no entender como se puede pintar lo invisible.
Pero es inerte al ser humano apropiarse de aquello que admiramos. Luchar por conseguir lo que creemos inalcanzable. Y Velázquez lo es.
Bacon reproduce el dolor, ese que lo ha acompañado de por vida, a través del grito. La identificación directa con la musa, con la obra a homenajear…. Si, está la figura, se reconoce. Hasta ahí “el remake”. Pero ahora hay que hacerla propia, con sus armas, con su AIRE.

Bacon rompe de entrada con el peso del cuadro… Donde Velázquez lo había asentado, Bacon lo hace flotar. Lo convierte en atmósfera, el propio Papa es pura atmósfera. Una imagen fantasmagórica dentro de un espacio que se transforma en principal protagonista de la apropiación. Un juego de barridos que Velázquez dominaba a la perfección, pero claro que en la técnica de la época no podía dominar el cuadro. Pero en pleno S XX si se permite. Al igual que jugar con la “cristalina” vitrina donde parece sufrir el personaje.
Se descubre el lienzo debajo de la pintura, forzando la marcada idea de lo que parece que se desvanece. Realmente el dolor se ha apropiado de la imagen y da la sensación  que ese propio dolor va a hacer desaparecer la pintura. Una violenta apropiación de la obra, que convierte una imagen de un maestro en la de otro. ¿Consiguió Bacon pintar un Velázquez? No, consiguió mucho más. Consiguió crear un Bacon.
Y creyendo todo esto, es fácil apuntarse a la teoría de que el romántico Bacon vino a morir junto a su gran amor. Vino a morir junto a Velázquez. Pobre artista obsesionado con su amante… Y pobre de los que venimos detrás, que hemos de obsesionarnos con ambos.


 www.revistaimprescindibles.com
Conmigo o en mi contra-Antonio Guerrero

7 comentarios:

  1. Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. En sus cuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.

    Los retratos y autorretratos son una gran parte de las pinturas; destaca entre ellos George Dyer en un espejo (Portrait of George Dyer In a Mirror, 1968), del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, en donde refleja la fragilidad del ser. Refleja la época que vivió, la Segunda Guerra Mundial.

    En otros cuadros como Cabeza rodeada de carne de vaca (Head Surrounded by Sides of Beef, 1954), del Instituto de Arte de Chicago, y en la serie Perros que gruñen (Dogs), Bacon refleja el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinación de la naturaleza humana por la violencia.

    A lo largo de toda su carrera Bacon recurrió al informalismo, al expresionismo y al surrealismo, pero sus cuadros pertenecen al racionalismo. Sin embargo, para algunos autores la obra de Francis Bacon no pertenece a tal corriente. Se trata de una pintura de corte expresionista pero muy difícil de clasificar, porque nunca perteneció a ningún movimiento artístico. Simplemente prosiguió lo que él consideró (en las entrevistas que le hizo David Sylvester a lo largo de los años sesenta) una línea pictórica postpicasiana, siguiendo la vía abierta que Picasso dejó con la figuración y la representación obsesiva del cuerpo humano. Según el filósofo francés Gilles Deleuze, autor de uno de los ensayos que mejor analizan la obra del pintor (Francis Bacon: Logique de la sensation), la figuras de Bacon son las que mejor representan al hombre del siglo XX: si Cézanne lo hizo con el paisaje, Giacometti y Bacon llevaron al hombre a su mejor representación artística, en relación al hombre angustiado por la vida, pero entusiasmado por el arte.

    Además del Museo Thyssen, otros museos españoles que cuentan con obra de Bacon son el Museo Reina Sofía de Madrid (Desnudo tumbado) y el Museo de Bellas Artes de Bilbao (Figura recostada ante un espejo).


    Según el investigador argentino Mariano Akerman, "la imaginería del pintor británico Francis Bacon es un fenómeno extraordinario", por ser "original y provocativo" aunque "deja también perplejos a no pocos". Considerando el carácter paradójico del arte del pintor (des)figurativo de posguerra, Akerman observa que

    El arte de Bacon es inusual tanto por sus formas como por su contenido. Complejo y contradictorio, al igual que el artista que lo ejecutó, es [también] extraño, intenso y problemático. Admirable y simultáneamente preocupante, ataca por sorpresa. Trabaja directamente sobre el "sistema nervioso" y abre "las válvulas del sentir". Resulta tan magnético como repulsivo. Es auténtico pero también inquietante. Se muestra profundo y frívolo a la vez. Atípico, quimérico, polivalente. Extremadamente sugestivo. Salvajemente humano.
    Dublin, Irlanda, 1909/ Madrid, España 1992

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  2. Bravo, les dejo mi arte para que disfruten!
    www.guerreroart.com

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  3. Gracias, Antonio Guerrero
    Prometo, analizar tu arte y darte mi opinión.
    Martha

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  4. Nacido en Buenos Aires en 1963, Mariano Akerman es un pintor, arquitecto e historiador argentino.1 Como investigador y disertante desarrolla actividades educativas que promueven la libre expresión y la participación comunitaria considerando la idiosincrasia y el contexto cultural propios de cada individuo.2
    Índice [ocultar]
    1 Educación y trayectoria
    2 Artes plásticas
    2.1 Ideario artístico
    2.2 Exposiciones de pintura
    3 Conferencias y actividades educativas
    4 Referencias
    5 Enlaces externos
    Educación y trayectoria[editar]

    En 1982 Mariano Akerman inicia sus estudios de arquitectura en la Universidad de Belgrano, de donde se recibe con un trabajo premiado, La naturaleza del espacio y los límites de la arquitectura (1987).3
    Becado por el Consejo Británico e investigando en la Galería Tate de Londres, Akerman escribe The Grotesque in Francis Bacon's Paintings —Lo grotesco en las pinturas de Francis Bacon— en 1999.4 Se trata de un estudio analítico e interpretativo de la imaginería del célebre artista londinense, cuya obra es percibida a través del prisma de lo Grotesco. Mariano Akerman caracteriza "lo Grotesco" como una categoría estética con atributos detectables y provee además una definición de ese peculiar fenómeno artístico en su investigación de 1999.5 Respecto a la imaginería del pintor británico, Akerman expone la fuerte ligazón que existe entre el arte de Bacon y la ya mencionada categoría estética. El tema es retomado y ampliado en un artículo publicado en 2012.6


    Composición — 12 Principios de la Gestalt. Programa educativo.
    A partir de 1981 Akerman da conferencias en instituciones tales como el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires,7 el Museo Nacional de Filipinas en Manila,8 el Colegio Escandinavo Hooptes Stajärna en Taytay (Rizal),9 la Academia Nacional de Artes en Lahore,10 y la Universidad Quaid-i-Azam en Islamabad.11
    Especializado en Comunicación Visual,12 Mariano Akerman desarrolla también series de conferencias, concursos, talleres y exposiciones educativas en varios países, donde colabora con las embajadas de Bélgica, Suecia, Francia, Alemania y Suiza, incluyendo también aquellas de su país natal.13
    Emprendedor independiente multidisciplinario,14 Akerman ha sido distinguido con doce premios internacionales en materia de arte y educación.15 Durante más de tres décadas de actividad,16 y habiendo frecuentado instituciones culturales y educativas, Mariano Akerman ha dado numerosas conferencias tanto en Argentina como en Filipinas y Pakistán.
    es.wikipedia.org

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  5. "La pintura es mi lengua es mi voz, es mi visión. Mi trabajo es mi eterna búsqueda de la libertad, la paz y la armonía y una voz que define contra la opresión humana".


    Nacido 1968 en Matanzas , Cuba
    Vive y trabaja en Miami Beach, Florida
    Fundador del Proyecto de Arte Cubano

    Antonio Guerrero es un artista cubano-americana contemporánea. Nació en 1968 en Matanzas Cuba, bajo el régimen de Castro. Guerrero se crió en un hogar donde la expresión artística se apreció y alentó, aunque los materiales no siempre estaban disponibles, sus sueños e ideas eran siempre abundantes.

    En 1986 Antonio fue reclutado en el ejército y fue inmediatamente transportado a África para luchar en la Guerra de Etiopía. Se inspiró en la gente y las escenas de África y desarrolló un interés en el expresionismo moderno y comenzó a experimentar con las formas modernas de arte visual. La popularidad de su obra dio lugar a exposiciones de sus pinturas en la base militar.

    Antonio regresó a Cuba en 1988 donde retomó su trabajo como artesano especializado en la pintura, el grabado de la talla en madera, escultura y trabajos en metal. Sintiéndose cada vez más oprimidos por el gobierno de Cuba, y el descontento con las condiciones de vida que empeoran, Antonio, junto con otros dos hombres, se subió a una balsa que habían diseñado y construido en secreto. Flotante fuera de la costa de Matanzas, que estaban en el mar durante cinco días antes de ser rescatados y llevados a los EE.UU.

    En enero de 1995 de Guerrero "Balseros del 92", ("las vigas de 92") se exhibió en Vanidades Gallery en Miami, FL. Esta pintura fue parte de una colección donada a la Fundación José Martí con el fin de recaudar fondos para las becas de los estudiantes de la Universidad Internacional de la Florida. Este retrato de sí mismo, junto con su primo y amigo de huir Cuba se decía que era mejor conmemorar la ocasión. El 17 de mayo de 1996, el trabajo de Guerrero fue exhibido por EE.UU. la representante Ileana Ros-Lehtinen, en Washington DC, como parte de los "cubanos en el exilio"
    exposiciones.

    En 2012 Guerrero fue uno de los cuatro artistas cubanos en el mundo elegidas por Bacardi para expresar el sentimiento de liberación y la apertura de espíritu cubano durante la época de fiestas legendarias de Bacardí para celebrar su 150 aniversario.

    Guerrero ve el mundo como un escenario cósmico para la actividad humana. "Estoy en el sistema como un programador de computadoras códigos de escritura con mi cuaderno de dibujo y pinceles, jugando al crítico, aquí para crear y programar el inconsciente. Aparte de todos los problemas que causamos a nosotros mismos, creo que nos encontramos inmersos en un poderoso y hermoso misterio. El hecho de nuestra existencia es un gran enigma para mí.

    "En su mundo imaginario todo es posible, sombras bajan de acuerdo a la intención de la naturaleza, los árboles crecen desde la tierra, y los triángulos refractan la luz de una manera realista. Pero todo ese realismo es sólo el camino de Antonio de la celebración de la escena juntos para que pudiera ir en alterar nuestras expectativas normales de la realidad.
    guerreroart.blogspot.com.ar

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  6. SEAFAIR-ART SARASOTA

    http://www.expoships.com
    SeaFair es el primer lugar megayate móvil del mundo y la cuarta más grande de yates de propiedad privada en los Estados Unidos. Pionera en la escala, el ingenio y el estilo, el yate - que sigue siendo el muelle durante cada evento - pares internacionales obras de arte, joyas y coleccionables con vistas al puerto de comedor y eventos especiales en las ciudades a lo largo de la costa este.
    El yate construido $ 40M propósito fue diseñado por el internacionalmente aclamado diseñador de yates Luiz de Basto. A 228 pies y 2,800 toneladas internacionales, es el barco más grande construido para la operación comercial en el Intracoastal Waterway y requiere un calado de sólo 6,5 metros lo que le permite atracar en pequeñas instalaciones de yates en lugares céntricos de la ciudad en lugar de utilizar los puertos comerciales.

    Se Trata de Ser invisible a la hora de cazar presentado por Aldo Castillo Gallery Art Sarasota

    Conmigo o en Mi Contra de Antonio Guerrero (Art Sarasota 2011 Aldo Castillo Gallery)
    Antonio Guerrero comenzó su carrera hace más de dos décadas con una exposición individual en una galería temporal en África. Un grupo de amigos compró la totalidad de sus pinturas. Él ha recibido ya más de 30 exposiciones. Guerrero interpreta la idea de arte surrealista en la mayoría, si no todos, de sus obras de arte. No sólo él interpretar el surrealismo en la mayoría de sus piezas, pinta con el corazón en el cepillo en todas sus pinturas.
    Guerrero es un autodidacta, pero aprendió a temprana edad Teoría del inconsciente universal que todas las personas poseen un conocimiento innato y la comprensión de las imágenes de Jung.
    thecubanartproject.com

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  7. Para los deseos de volar, no existen contras. La tensión agresiva desaparece, ante esta imagen.

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