Los artistas argentinos que exponen fuera, también viven en el extranjero
18 Enero de 2013
Los artistas argentinos que exponen fuera, también viven en el extranjero
Obra de Marcos López
Nada menos que siete de los nueve artistas argentinos vivos con más actividad expositiva fuera de su país durante 2012 viven fuera de Argentina y dos lo hacen en España. Es uno de los datos más relevantes de la información reunida por ARTEINFORMADO a partir de la información reunida en su base de datos, que Vd. puede visionar pinchando sobre sus respectivos enlaces:
Amalia Pica (Neuquén Capital, Argentina, 1978 - vive y trabaja en Londres). Tres exposiciones individuales: "For Shower Singers" en Modern Art Oxford (Londres, Reino Unido), "Amalia Pica" en Chisenhale Gallery (Londres, Reino Unido) y "Chronic Listeners" en la Kunsthalle Sankt Gallen (Suiza).
Cesar Paternosto (La Plata, Argentina, 1931 - reside en Segovia, España). Exposiciones individuales "Painting and Architecture" y "Painting as Object - The Lateral Expansion" en sus representantes Durban Segnini Gallery (Coral Gables, Florida, EE.UU.) y Cecilia de Torres (Nueva York, EE.UU.), respectivamente.
David Lamelas (Buenos Aires, Argentina, 1946). Exposiciones individuales "The Light at the Edge of a Nightmare" y "Proyección" en sus representantes la galería Parra & Romero (Madrid, España) y en la galería Jan Mot (Ciudad de México, México), respectivamente.
Guillermo Kuitca (Buenos Aires, Argentina, 1961). Exposiciones individuales "Diarios" en The Drawing Center (Nueva York, EE.UU.) y "Guillermo Kuitca" en su representante Hauser & Wirth (Londres).
Liliana Porter (Buenos Aires, Argentina, 1941 - vive en Nueva York desde 1964). Exposiciones individuales "Disguise", "Fragment of the Cast", "Obras Recentes" y "The Colour Red" en sus representantes La Caja Negra (Madrid, España), Sicardi Gallery (Houston, EE.UU.), Galería Baginski (Lisboa, Portugal) y mor · charpentier (París), respectivamente. Además, tuvo también otra individual titulada "Conejo que levita y otras obras recientes" en el Centro Cultural de España en Santiago de Chile (Chile).
Luis Tomasello (La Plata, Buenos Aires, Argentina, 1915 - reside en París desde 1957). Exposiciones individuales "Visible Structure and Reflected Color" en Ascaso Gallery (Miami, EE.UU.) y "Luis Tomasello" en Raquel Artaud (São Paulo, Brasil).
Marcos López (Santa Fe, Argentina, 1958 - reside en Madrid). Exposiciones individuales "Color Local", en su representante la galeria Fernando Pradilla (Madrid, España) y "Se muestra. Momentos imprecisos_Playas Latinas" en el Antiguo Edificio de Tabacalera (Madrid, España)
Pablo Reinoso (Buenos Aires, Argentina, 1955 - vive y trabaja en París desde 1979). Exposiciones individuales en su representante la galería Xippas Arte Contemporáneo (Punta del Este, Uruguay) y "Estadio Firulete" en Baró Galería (São Paulo, Brasil).
Tomás Saraceno (Tucumán, Argentina, 1973 - vive y trabaja en Frankfurt, Alemania). Exposiciones individuales "On Space Time Foam" en HangarBicocca (Milán, Italia) y "Tomás Saraceno on the Roof: Cloud City" en The Metropolitan Museum of Art - MET (Nueva York, EE.UU.).www.arteinformado.com
Biografía Luis Tomasello
ResponderEliminar(1915) Pintor y escultor argentino nacido en La Plata, Buenos aires, influido por Joaquín Torres García, se orientó hacia realizaciones constructivistas. En 1957 se trasladó a París, donde entró en contacto con el cinetismo, a través del cual llegó al optical-art (Atmósferas cromoplásticas), en 1951 hace su primer viaje a Europa y llega hasta Sicilia para conocer la tierra de su padre. Conoce la obra de Mondrian, queda muy impactado y finalmente reside seis meses en París. Conoce los vitrales medievales de la Catedral de Chartres y tiene por primera vez la intuición del color-luz, que será determinante en su obra, los dibujos y pinturas del período argentino (hasta 1957) son figurativos con un interés marcado por la composición geométrica, las curvas, las diagonales, como así también poniendo mucha atención en los valores lumínicos. Se nota en estas obras una tendencia cezanniana en el sentido de la composición y un marcado interés por destacar el peso del objeto pintado. En Argentina conoce a Petorutti (quien había vivido una época muy fecunda en París) y a Arden Quin, fundador del Grupo MADI, es co-fundador del Salón Arte Nuevo en Buenos Aires, Argentina, la denominación de atmósferas cromoplásticas se debe al efecto atmosférico producido por los reflejos de la luz. El cubo es el elemento geométrico más utilizado por Tomasello ya que es el que más se adapta al fenómeno lumínico buscado por el artista. En los relieves cinéticos y en los objetos plásticos utiliza tiges (pequeños cilindros de madera) variándoles la altura y la inclinación del corte, provocando así diferentes luces y sombras sobre toda la superficie del cuadro. Al establecerse en París en 1957 comienza a exponer en la galería Denise René junto a Jean Arp, Vasarelly y Soto. En 1962 hace su primer exposición individual en el Museo Nacional de Buenos Aires y en la galería Denise René. Estando en Europa Tomasello profundiza su interés por Kasimir Malevich y Piet Mondrian. El Neoplasticismo de Mondrian propone una nueva representación de la realidad de lo que no va a captar lo efímero sino la esencia. Tomasello se siente cercano al maestro holandés en ese deseo de llegar a lo esencial, a lo espiritual, más allá de la complejidad de lo real. Es la búsqueda de un principio universal, llegar a la misteriosa simplicidad, a la poesía, dirá Tomasello El Arte Cinético,del que Tomasello toma parte, tomará elementos también del Futurismo Italiano ( Balla 1874-1958 y Boccioni 1882-1968); del Rayonismo Ruso, y experiencias de artistas como Marcel Duchamp (1887-1968) y Lazlo Moholy Nagy(1895-1946) con sus esculturas cibernéticas y luminosas. El movimiento de Arte Cinético se inicia en París con la exposición organizada por Roger Bordier en la Galería Denise René en 1955. Todos los artistas participantes desarrollaron una problemática plástica cuya resolución tuvo por centro la presentación del movimiento y de la transformación . El Arte Cinético tiene como objetivo la presentación del movimiento (real y óptico) y en la puesta en evidencia de la transformabilidad de la obra. Estas obras se dividen en Obras bi o tridimensionales en movimiento real (proyecciones, máquinas móviles) Obras bi o tridimensionales estáticas con efectos ópticos Obras bi o tridimensionales transformables que requieren el desplazamiento del espectador y-o la manipulación. Las propiedades esenciales de la obra cinética son el movimiento y la transformación. El espectador de estas obras tendrá sensaciones al percibir las vibraciones o transformaciones que se producen en la obra cuando éste cambia el ángulo de visión. Los reflejos cromáticos de sus relieves, a los que él llama color-sensación cambiarán según el ángulo de incidencia de la luz (sea natural o artificial) y la intensidad de ella. Se produce un efecto óptico de movimiento motivado por la repetición serial de elementos idénticos, a esto se agrega el cambio de color y sombras en reflexión que percibe el espectador al desplazarse.
El movimiento de Arte Cinético se inicia en París con la exposición organizada por Roger Bordier en la Galería Denise René en 1955. Todos los artistas participantes desarrollaron una problemática plástica cuya resolución tuvo por centro la presentación del movimiento y de la transformación . El Arte Cinético tiene como objetivo la presentación del movimiento (real y óptico) y en la puesta en evidencia de la transformabilidad de la obra. Estas obras se dividen en Obras bi o tridimensionales en movimiento real (proyecciones, máquinas móviles) Obras bi o tridimensionales estáticas con efectos ópticos Obras bi o tridimensionales transformables que requieren el desplazamiento del espectador y-o la manipulación. Las propiedades esenciales de la obra cinética son el movimiento y la transformación. El espectador de estas obras tendrá sensaciones al percibir las vibraciones o transformaciones que se producen en la obra cuando éste cambia el ángulo de visión. Los reflejos cromáticos de sus relieves, a los que él llama color-sensación cambiarán según el ángulo de incidencia de la luz (sea natural o artificial) y la intensidad de ella. Se produce un efecto óptico de movimiento motivado por la repetición serial de elementos idénticos, a esto se agrega el cambio de color y sombras en reflexión que percibe el espectador al desplazarse.
ResponderEliminarSegún sus palabras, Tomasello no está seguro de ser un artista cinético, sobre todo por su desinterés hacia el aspecto mecánico de las obras cinéticas. El dice: Es la poesía la que hace a la obra, no el motor, o también, la obra responde a algo más profundo, me interesa el reflejo de los colores, es como si intentara definir la luz de la luna. He probado de usar luz eléctrica en mis relieves pero queda muy decorativo. Yo prefiero ser un hombre de la naturaleza. La luz natural es para Tomasello la que mejor permite ver la obra por la cantidad de variaciones que provoca en los diferentes momentos del día. En la integraciones arquitectónicas la luz natural produce sobre los relieves infinitas variaciones. Fue premio Bienal de Medellín en 1970. Este tipo de obras se encuentran en edificios públicos, en interiores de salas, y en edificios de viviendas desde 1971, en países como Francia, México, Nicaragua, Noruega y Maruecos. En 1981 comienza a trabajar relieves monocromos en negro y obtiene un negro más negro al perforar la superficie con líneas o pequeñas formas geométricas. Junto al escritor Julio Cortázar de quién fue muy amigo, realiza dos libros-objetos : Un elogio de tres (1980) y Negro el tres (1984).
www.arteycoleccion.com.ar
César Paternosto: el poder de la mirada oblicua
ResponderEliminarCésar Paternosto
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JANET BATET
ESPECIAL / EL NUEVO HERALD
Este jueves, 29 de noviembre, es el cumpleaños de César Paternosto, maestro del arte abstracto latinoamericano. Paternosto, conocido en la palestra del arte internacional por su depurado estilo geométrico y su particular concepción de la “mirada oblicua”, ha escogido la ciudad de Miami para celebrar su 81 cumpleaños y lo hará en la galería Durban Segnini que presenta al púbico en exclusiva una excelente muestra del quehacer reciente de este grande del arte latinoamericano.
César Paternosto nació en 1931 en la Provincia de la Plata, Argentina. Graduado de la escuela de leyes, Paternosto comienza estudios de arquitectura en La Universidad Nacional de La Plata. Aún cuando no termina los estudios de arquitectura, la inmersión en este campo será definitoria para el pintor siempre obsesionado por las relaciones espaciales. Como bien apunta el artista “el espacio intersticial de la pared se convertirá en un componente integral de mi composición, que, como un todo, puede ser visto como una especie de alivio arquitectónico”.
Los años formativos de Partenoso tienen lugar en medio del álgido clima creativo que circunda a Buenos Aires hacia principios de los años 60. Dos puntos vitales se imponen en medio de este contexto. De un lado, la figura de Joaquín Torres García y los ecos del radical espíritu creativo del grupo MADI, interesado en liberar la creación de componentes ajenos al arte en sí mismo y, del otro, la creación, en 1958, del medular Instituto Torcuato di Tella, que pronto se erige centro rector del debate en torno a los límites y proyección del arte contemporáneo atrayendo a críticos de la talla de Clement Greenberg y exponiendo obras de los artistas más innovadores del momento como son los casos de Robert Rauschenberg, Kenneth Noland, Jackson Pollock y Mark Rothko.
De esta época data una de las obras más emblemáticas de Paternosto, Staccato (1965, adquirida en el 2008 por el Museo de Bellas Artes de Boston). El artista, interesado en la búsqueda de lo que el mismo define como “geometría sensitiva”, crea una sinfonía pictórica inspirada en el jazz y el tango donde las sinuosas bandas onduladas de color exploran la atonalidad y acordes atrevidos que se traducen en vívido contraste pictórico. La geometría sensitiva de Paternosto actúa como contraposición a la férrea dominancia de la herencia MADI, que caracteriza a la abstracción geométrica argentina del momento.
En 1966, el general General Juan Carlos Onganía toma el poder de facto imponiendo una atmósfera de censura y represión que va desde el movimiento obrero y revolucionario hasta la persecución del arte de vanguardia considerado como “inmoral”. Son los años de Tucumán arde, comprometido colectivo de artistas argentinos fundado en 1968 que abrazan el arte como denuncia social.
Paternosto, como muchos otros intelectuales y artistas argentinos, deja el país en 1967, estableciendo residencia en Nueva York hasta el 2004. Aquí el artista desarrolla la línea de investigación de caracteriza su propuesta artística donde la herencia de la abstracción geométrica del arte moderno, en específico las figuras emblemáticas de Piet Mondrian y Van Doesburg, se amalgaman con la tradición ancestral de las culturas precolombinas. El artista emprende múltiples viajes a la región andina restringiendo su paleta a grises y tierras durante el período.
www.elnuevoherald.com
Pablo Reinoso. Buenos Aires, 1955.
ResponderEliminarVive y trabaja en París desde 1979. Practica la escultura desde la adolescencia y fue discípulo de Jorge Michel. Durante mucho tiempo trabajó especialmente la madera, la pizarra, el mármol, el bronce y el acero, concentrando su búsqueda en la articulación y la metonimia, en el espacio y el tiempo.
Hacia 1995, decidió extender su práctica a otros materiales. Este cambio radical le permitió a sus esculturas deshacerse de las obligaciones de la materia… Y eligió el aire.
Reinoso cuenta con obras en diversas colecciones públicas del mundo: Museu de Arte Moderno de São Paulo; MAMBA y MALBA, Buenos Aires; Société des Amis du MNAM, Centre Georges Pompidou, París; Fonds National d’Art Contemporain, París; Musac, España y Musée des Arts Décoratifs, París, entre otras.www.arteba.org
la obra que esta en el blog no tiene titulo ni dimenciones
ResponderEliminarNo tiene dimensiones? A qué obra se refiere?. Es probable. Gracias por reparar en ello.
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