- Jóvenes espartanos / Edgar Degas
- Una sibila / Domenichino
- San Jerónimo en su biblioteca / Domenico Ghirlandaio
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Posted: 11 Sep 2012 02:17 AM PDT
National Gallery de Londres
Edgar Degas
El triunfo en el Salón de París se convierte en una obsesión para los jóvenes pintores que destacan en la década de los 60. Es cierto que un éxito en este único lugar de exposiciones aseguraba la fama y casi la fortuna, por lo que había que adaptarse a las exigencias del jurado, compuesto por personalidades y profesores de la Escuela de Bellas Artes. La temática histórica era una de las favoritas para este jurado por lo que Degas se va a enzarzar en varias composiciones históricas durante estos años. Curiosamente sólo expuso en el Salón una de ellas. Desconocemos el significado exacto de Jóvenes espartanos, opinándose que sería una alusión a la rigidez del sistema educativo de Esparta o a la eugenesia - asesinato de niños deformes o enfermizos - realizada habitualmente desde el monte Taygetus, monte que se aprecia al fondo de la escena, para preservar la fortaleza de la raza. Un grupo de niñas a la izquierda del lienzo se enfrenta dialécticamente con los niños de la derecha. Ambos grupos, en primer plano, dominan la composición, observándose en segundo plano otro nuevo grupo, esta vez de personas adultas que rodean al anciano filósofo Licurgo, el ideólogo del sistema pedagógico espartano. Degas se interesa especialmente en esta obra por el dibujo a la hora de realizar sus figuras. Tomó como modelos a los niños y niñas de las calles de París, ofreciendo una muestra significativa de realismo. Su deseo de satisfacer al espectador le llevó a retocar en numerosas ocasiones a los jóvenes, especialmente el grupo femenino, como se puede apreciar por los repintes. Es destacable la actitud de tensión que ha sabido reflejar el artista entre sus figuras, existiendo algunas que desean relacionarse con los miembros de su sexo opuesto - en ambos casos - y otras que se mantienen más distantes e incluso indiferentes. Los bellos cuerpos desnudos o semidesnudos del primer plano contrastan con los gruesos ropajes de las figuras que se colocan inmediatamente detrás de ellos. Respecto al color, resulta interesante el empleo de tonos muy armónicos, presididos por los amarillos y los ocres, añadiendo algunas tonalidades para contrastar como el negro, el azul o el blanco. Al recurrir a una iluminación de atardecer se intensifica el color amarillento dominante, creándose cierta sensación atmosférica. Degas se mostró siempre satisfecho con esta obra, a pesar de no exponerla en ninguna ocasión.
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Posted: 11 Sep 2012 02:12 AM PDT
Galería Borghese
Domenichino
La figura femenina aparece representada en medio cuerpo, ante una mesa, con una partitura en sus manos. Lleva un abultado turbante de seda verde y su rostro aparece en posición frontal, la mirada dirigida a lo alto. El personaje ha sido definido con una firmeza y elegancia de dibujo que es muy característica de su autor, tratándose sus volúmenes con luces transparentes que proporcionan suaves efectos de modelado.
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Posted: 11 Sep 2012 02:09 AM PDT
Iglesia de Ognissanti, Florencia
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Proveniente de la burguesía parisina, al igual que Manet, Degas (1834-1917) recibe una formación clásica en el taller de un ardiente discípulo de Ingres, la cual perfecciona en Italia en el curso de varias estancias (ahí reside una parte de su familia paterna), durante las cuales traba una profunda amistad con Gustave Moreau. En los inicios de su carrera, Degas pinta cuaros de historia y retratos. En los cuales representa miembros de su familia, dan testimonio de su deuda con grandes maestros del pasado- Van Dyck, Holbein, Pontorno, Velázquez y Goya-, así como también Ingres, con quien se había encontrado al menos en una oportunidad, en la que le habría dicho: "Haga trazos, joven, muchos trazos, ya sea basándose en el recuerdo o en la naturaleza. Nunca abandonará el género del etrato, pero más tarde pintará más bien a miembros de su entorno- críticos, escritores, coleccionistas, pintores, músicos, y banqueros.
ResponderEliminarPintor italiano nacido en Bolonia, cuyo verdadero nombre era Domenico Zampieri. Fue discípulo de Ludovico Carracci en la Academia degli Incaminati de su ciudad natal y en 1602 trabajó con el sobrino de Ludovico, Annibale Carracci, en los frescos de la galería del palacio Farnesio en Roma. A partir de entonces Domenichino pintó frescos y paneles para diferentes iglesias y palacios de Roma y Nápoles. Las obras de su primera época, como La última comunión de san Jerónimo (1614, Vaticano, Roma), y La cacería de Diana (1616, Galería Borghese, Roma) son muy clásicas en su cuidada organización espacial. Su obra posterior, inspirada por Correggio y Miguel Ángel y caracterizada por la plasmación del movimiento y los escorzos de gran dramatismo, es más barroca. Ejemplo de ello son los frescos que pintó para la capilla de San Jenaro (1631-1634, 1635-1641), en la catedral de Nápoles. Los paisajes clásicos de Domenichino sirvieron de influencia a los pintados por el artista francés Claudio de Lorena. En el Museo del Prado, Madrid, se conservan, entre otras, El sacrificio de Abraham (1628) y Aparición de los ángeles a san Jerónimo. © M.E.
ResponderEliminarwww.epdlp.com
Evaluación crítica y legado
ResponderEliminarAdoración de los pastores 1482-1485 - Domenico Ghirlandaio
Adoración de los pastores 1482-1485
Esquema compositivo de Ghirlandaio eran simultáneamente grandioso y decorosa, de acuerdo con la experimentación contenida y clasicista del siglo 15. Su claroscuro, en el sentido de sombreado realista y de tres dimensionalism, fue razonablemente avanzado, al igual que sus perspectivas, que él diseñó en una escala muy elaborado por el ojo solo, sin el uso de las matemáticas sofisticadas. Su color es el más abierto a la crítica, pero esta observación se aplica menos a los frescos de las pinturas al temple, que son a veces de manera demasiado amplia y crudamente brillante. Sus frescos fueron ejecutados en su totalidad en lo que el término italianos buon fresco, sin adiciones al temple.
Una cierta dureza de contorno puede dar fe de su primera formación en el trabajo del metal. Vasari dice que Ghirlandaio fue el primero en abandonar, en gran parte, el uso de dorados en sus cuadros, que representan la pintura genuina cualquier objeto que se supone que ser dorado; sin embargo, esta afirmación no es aplicable a la totalidad de su obra, ya que el paisaje destaca en, por ejemplo, la Adoración de los Pastores, ahora en la Academia de Florencia, se rinde en pan de oro. Muchos dibujos y bocetos de este pintor, ahora en la galería de los Uffizi, son especialmente notables por su vigor naturalista de contorno.
Uno de los grandes legados de Ghirlandaio es que se le atribuye comúnmente a haber dado un poco de la educación artística a principios de Miguel Ángel, que no puede, sin embargo, han permanecido con él mucho tiempo. Entre otros alumnos fueron Francesco Granacci.
Ghirlandaio murió de "fiebre pestilente" y fue enterrado en Santa María Novella. El día y el mes de su nacimiento permanecen indocumentados, pero desde que murió a principios de enero, lo más probable es que no llegaban a los cuarenta y cinco años de edad. Había estado casado y dejó seis hijos, tres de ellos hijos dos veces. Ridolfo, en particular, fue también pintor. Tenía una larga línea de descendientes, pero la familia se extinguió en el siglo 17, cuando los últimos miembros entraron monasterios. (De Wikipedia)
www.domenico-ghirlandaio.org