lunes, 30 de julio de 2012

FUENTE STRAVINSKI,JEAN TINGUELY Y NIKI DE SAINT PHALLE

Fontana Stravinski-Tinguely y-Niki de Saint Phalle,Museo George Pompidou,París 1983
Esta es una obra que realiza con su esposa Niki de Saint Phalle(se puede ver su Nana en este blog).
En los últimos años de su vida,Tinguely se extendió en el espacio,en una especie de espacio escénico.En sus construcciones a modo de altar,en este caso la fuente; presenta montones de deshechos de la civilización que componen una jungla de piezas de bienes de consumo,en esta obra está el toque distinto,cálido podríamos llamarlo de Niki (su compañera).En 1980 se añadirán símbolos de la muerte,esqueletos de animales y calaveras.Segun el propio Tingueley "Los artistas que realicen arte en el futuro deberán ser o artistas fantásticos o meros decoradores".

domingo, 29 de julio de 2012

JEAN TINGUE-LEY-ESCULTURAS EN EL PARQUE

Jean Tingue-ley-Esculturas en el parque-2010

EXPOSICIÓN DE JEAN TINGUELY EN EL CENTRO CULTURAL BORGES

La máquina de Heidegger-de Jean Tingue-l(e)y(1988)
"La vida es movimiento.Todo se transforma,todo se modifica sin cesar.Intentar detener tal modificación o intentar frenar la vida en pleno vuelo y capturarla de nuevo en la forma de una obra de arte,una escultura o una pintura,para mí es igual a burlarse de la intensidad de la vida".
Jean Tinguely


viernes, 27 de julio de 2012

OTROS OJOS PARA VER EL PRADO:LA GLORIA,DE TIZIANO

Otros ojos para ver el Prado: la Gloria de Tiziano-Agustín González catedrático emérito de la facultad de filosofía de la Universidad de Barcelona y Miguel Falomir,Jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa(hasta 1700)del Museo del Prado sostienen un diálogo muy interesante que mucho ayuda a comprender la obras de arte de este período y,además contribuye para un recorrido atento por la muestra "Meraviglie Della Marche",que se realiza en el Museo Nacional de Arte Decorativo en Buenos Aires(Argentina).Y, por supuesto,para el que pueda concurrir al Museo del Prado en Madrid(España).

jueves, 26 de julio de 2012

SOY JEAN TINGUELEY -EN CENTRO CULTURAL BORGES


Jean Tinguely
Soy Jean Tinguely


Dibujos, esculturas, fotografías y films













La exposición presenta una selección de dibujos, esculturas, fotografías y films del original artista suizo Jean Tinguely  una figura clave del arte del siglo XX, autor de las célebres máquinas autodestructivas construidas en los años sesenta con idea de desmaterializar el arte y  como una forma de protesta contra la proliferación de armas nucleares.
El primero de estos artefactos, Homenaje a Nueva York, explotó el 17 de marzo de 1960 en el patio del Museo de Arte Moderno de Nueva York, frente a un público que participó de la escena maravillado. Su “Estudio para un Fin del Mundo II”, otra de sus máquinas autodestructivas realizada en 1962, estalló en el desierto de Nevada cercano a las Vegas y a un centro de experimentación nuclear, tan solo pocos meses antes de que se desatara la Crisis de los Misiles en Cuba.
La muestra, que permite apreciar por primera vez en nuestro país la obra de este artista, se realiza en el marco de las semanas suizas 2012 y está presentada por la Embajada Suiza, el Centro Cultural Borges, el Museo Jean Tinguely de Basilea y Pro Helvetia. La exhibición, con curaduría conjunta de Virginia Fabri (C. C. Borges) y Andres Pardey por el Museo Tinguely, a cuyo acervo pertenecen las obras que se exhiben, cuenta con el  apoyo de la Niki Charitable Art Foundation.
Jean Tinguely es un artista controvertido que trabajó junto a muchos de los más destacados artistas del siglo pasado, entre ellos Yves Klein, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, y Niki de Saint Phalle, su esposa y colaboradora artística. Absurdas, cómicas, lúdicas, locas, destructivas o dramáticas, sus máquinas-escultura aplicaron una fuerte dosis de ironía al progreso tecnológico que marcó la segunda mitad del siglo.
La exposición muestra a un artista establecido en una sociedad post-industrial, dominada por el progreso tecnológico: un hombre perfectamente consciente de la situación del arte en su tiempo y de los problemas políticos y económicos de la segunda mitad del siglo. Sus máquinas-esculturas, realizadas entre 1954 y 1991, año de su muerte, pasaron desde sus relieves meta-mecánicos; sus máquinas de dibujar que fascinaron a personalidades como Marcel Duchamp, John Cage  y Roberto Matta; lás máquinas autodestructivas; los escenarios para ballet y teatro y las fuentes, entre ellas la famosa Fuente Stravinsky realizada por él en 1983 junto a Niki de Saint Phalle, que se encuentra ubicada  abajo del  Centro Georges Pompidou.
Sus máquinas autodestructivas constituyen uno de los capítulos más interesantes de su obra. Ese tipo de arte fue inventado por el artista alemán Gustav Metzger en los sesenta, como forma de protesta contra la proliferación de armas nucleares. En Tinguely estaba además conectado a la idea de arte efímero, que pretendía liberar al arte de sus componentes materiales destruyéndolos.
En este período, Tinguely formó parte del Grupo “Nuevo Realismo”, formado por el crítico de arte Pierre Restany en 1960. Conformaban el grupo además Yves Klein, Arman, Dufrêne, Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Villeglé, César Mimmo Rotella y más tarde se sumaron Niki de Saint Phalle, Deschamps y Christo. Los Nuevo Realismo redescubrieron el sentido de la naturaleza  contemporánea, tecnológica, industrial, publicitaria y urbana del siglo XX, trabajando a partir de elementos de desecho, basura, afiches, hierro o productos estándar.
Dueño de un espíritu libre, carismático, mujeriego y de una personalidad tormentosa pero cómica a la vez, Tinguely se volcó hacia el marxismo en su juventud para luego convertirse en anarquista, un movimiento más adecuado a su personalidad. Con idea de cumplir su anhelo de fusionar el arte y la vida realizó numerosas obras en colaboración con otros artistas, en particular con su esposa Niki de Saint Phalle quien fuera su estrecha colaboradora artística durante treinta años. Con ella realizó magníficas obras como Hon: una nana gigante  con un bar, un acuario y un mini-cine en su interior, exhibida en el Museo de Arte Moderno de Estocolmo; Paraíso Fantástico una obra que reunía las coloridas nanas de Niki con las amenazantes máquinas de Tinguely y que fue realizada para la Feria Mundial de Montreal y El Cíclope: un gigante que descansa en los bosques de Milly La Foret.
En los ochenta se produjo un giro interesante en la estética de Tinguely, marcado por la muerte de su madre y una experiencia propia que lo colocó al borde la muerte y lo tuvo en coma durante diez días. A partir de allí, Tinguely pareció regresar a sus orígenes católicos, manifestándose a través de sus altares inspirados en el arte del medioevo y  complejos gigantes de máquinas (una suerte de denuncia contra la sociedad mercantilista),  siempre atados a la industria y el progreso.
Tinguely falleció el 30 de agosto de 1991. Sus funerales fueron descriptos por Niki de Saint Phalle como dignos de un estadista: con la música, la misa y los gaiteros de Basilea, tal como el propio Tinguely había querido. A su muerte y por iniciativa de Niki, heredera testamentaria de su obra, la empresa Roche construyó el Museo Tinguely en la ciudad de Basilea, Suiza.
La muestra “Soy Jean Tinguely”, fue declarada de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación.
El Museo Tinguely
El Museo Tinguely fue inaugurado en 1996, en ocasión del centenario de la fundación de Roche. Construido por el arquitecto suizo Mario Botta, la propia Niki apoyó el proyecto donando 50 máquinas escultura y un número importante de dibujos y documentos del legado del artista. Roche construyó el Museo y contribuyó además con obra de su propio holding. El museo fue alberga la colección de obra donada por Niki.
El Cíclope: un paseo por un bosque encantado
Como una perfecta síntesis de la naturaleza y la industrialización, descansa en los bosques de Milly la Foret el Cíclope. Se trata de la cabeza de un gigante de 22mts un proyecto deTinguely con la colaboración de Niki de Saint Phalle, cuya estructura está totalmente recubierta de mosaicos de espejo reflejando la naturaleza circundante.
Su interior, una gran maquinaria que alberga un teatro inspirado en el Noh japonés, contiene obra del artista cinético venezolano Jesús Soto, de Daniel Spoerri y de la propia Niki de Saint Phalle, entre otros. La obra fue totalmente financiada por Tinguely y demandó aproximadamente dos décadas para su finalización, posterior a la muerte de él.
Curadores: Virginia Fabri y Andres Pardey
Organiza: Embajada de Suiza, ProHelvesia y Museo Tinguely
Auspician: Roche, Minera Alumbrera, XSTrata,  Swiss y Fundación Tres Pinos
Apoyan: Niki Charitable Art Foundation, Terminal de Cargas Argentina, Filo y Hotel Alvear
Inauguración 26/7 | Cierre 27/9
Sala 21

 www.ccborges.org.ar
Jaleo 1979

miércoles, 25 de julio de 2012

RECORRIDO POR GALERÍAS DE ARTE EN BUENOS AIRES


allery Nights 2012. Una noche de recorrida por el arte en Buenos Aires
El viernes 27 de julio las galerías y espacios de arte de Barrio Norte y Recoleta se visten de fiesta para el inicio de otro ciclo de Gallery Nights. Los espacios abrirán sus puertas de 19 a 22 horas para presentar sus artistas y mostrarte tanto las últimas creaciones, como los clásicos de siempre; para que de esta manera vos puedas disfrutar con tu familia y amigos de lo mejor del arte en un evento único y gratuito. Mirá el mapa y empezá el recorrido por dónde vos prefieras.


Copa de Chandon en mano, recorré Gallery Nights.
Gallery Nights es un recorrido cultural que nació en el año 2001 y cumple 12 años ininterrumpidos acercando la creatividad de los artistas al público. Se desarrolla de abril a diciembre en Buenos Aires (Barrio Norte, Retiro y Palermo) y durante Enero, en las ediciones especiales del verano, en Punta del Este.
No es un tour guiado, la idea es que con mapa en mano, el público pueda recorrer las galerías de la zona, de la manera que prefiera, o asistir a las muestras que más le interesen. Todo es gratuito, inclusive la copa de Chandon de cortesía que ofrecen las galerías. Acompañan durante el recorrido, música y espectáculos gratuitos.
Los minibuses son un medio de transporte gratuito para trasladarse con mayor comodidad y se identifican con un logo de Gallery Nights. Están las paradas marcadas en los mapas y salen de los puntos de encuentro a las 19.05 horas para recorrer constantemente todo el circuito parando en los puntos asignados para que la gente baje y suba del micro. 
 www.gallery-nights.com.ar

GAGOSIAN PARTICIPARÁ EN ARTRÍO EN SEPTIEMBRE


Gagosian también se apunta a pulsar el mercado brasileño participando en ArtRío

24 Julio de 2012

Gagosian también se apunta a pulsar el mercado brasileño participando en ArtRío

Larry Gagosian
La Gagosian Gallery, una de las galerías más importantes del mundo, con sedes en Nueva York, París, Los Ángeles, Londres, Roma, Ginebra, Hong Kong y Atenas, anuncia en la última noticia publicada en su página web que participará dentro de la segunda edición de ArtRio, a celebrar el próximo mes de septiembre, con un stand dentro de la feria y también organizando en un almacén cercano a la feria una "gran exposición de esculturas" con artistas de su cartera de representados,  que formará parte de los eventos paralelos programados. Ambos espacios -como tambien recoge la nota- serán responsabilidad de la diseñadora brasileña Claudia Moreira Salles. Para el conglomerado de galerías bajo el paraguas Gagosian Gallery será su primera participación en una feria brasileña. Una participación, que es más noticia si cabe, al tratarse de una galería de este nivel, y sobre todo, si tenemos en cuenta que no estaba incluida en la lista de galerías publicada en un primer momento por la web oficial de ArtRío y que sigue sin incluirla a día de hoy, cuando si lo estaban otras de su mismo nivel como David Zwirner.
Esta galería fundada en 1980, que dirige Larry Gagosian, desde sus oficinas de la Jolla, en California, cuenta actualmente con once sucursales -a partir del otoño serán 12, con una nueva en París- repartidas por distintas capitales de Europa, Norteamérica y tambien en Asia, pero no cuenta con ninguna en Latinoamérica, por lo que ya hay quienes han interpretado este decisión de acudir a la próxima ArtRío, como una manera de pulsar el mercado de arte carioca y por extensión el brasileño. Un mercado que, como se apunta en un artículo publicado el pasado mes de mayo en el eleconomista.es: "crece con más demanda, coleccionistas y mucho dinero" que la mayoría del resto del mundo, al ser la sexta economía mundial, y en el que se pueden leer datos relevantes como que "según un reciente informe conjunto, los negocios de las galerías de arte brasileñas crecieron 44% en los últimos dos años mientras en 2011 las exportaciones de arte alcanzaron un récord de 60 millones de dólares. El mejor dato anterior había sido en 2009, con 38,5 millones".
Lucio Fontana-Concepto espacial.A pesar de esta confirmación de asistencia de última hora a Río de Janeiro, la galería Gagosian ya comenzó a mostrar su interés por lo brasileño, a finales del año pasado cuando organizó en su galería de París, dentro de su Project Space, la exposición "Brasil: La reinvención de la modernidad" con obras de los artistas brasileños Sergio de Camargo, Lygia Clark, Amilcar de Castro, Helio Oiticica, Lygia Pape y Mira Schendel, que obtuvo una gran acogida de público. Y ha continuado este interés por la región latinoamericana dedicando entre los meses de mayo y junio de este año en una de sus galerías de Nueva York, una gran individual al desaparecido Lucio Fontana ( Rosario de Santa Fé, Argentina, 1899 - Comabbio, Italia, 1968), el único artista latinoamericano que figura en su nómina de representados. Y es que, la Gagosian Gallery, aunque pueda sorprender, no cuenta con más artistas de esa región del planeta entre sus 107 artistas representados en la actualidad, tal  y como ha confirmado a ARTEINFORMADO un portavoz de la galería. Una lista, que incluye a algunos de los más importantes artistas internacionales vivos o desaparecidos, que si la desglosamos por países queda de la siguiente forma: 50 de Estados Unidos, 14 de Reino Unido, 10 de Alemania, 9 de Italia, 6 de Francia, 3 de Japón, 2 Irlanda y Suiza, y 1 respectivamente de Argentina (el referido Lucio Fontana), Armenia, Australia, Austria, Bélgica, China, España (Pablo Picasso, lógicamente), Holanda, Irán, Panamá y Polonia. Quizá esta novedosa participación en ArtRio 2012 sea un primer paso para testar de primera mano el mercado brasileño y ubicar en un futuro una nueva Gagosian Gallery, y con lo que nuevamente el norteamericano Larry Gagosian se adelantaría a sus perseguidoras White Cube y David Zwirner, en lo que a planes expansionistas se refiere.Gustavo Pérez Diez. ARTEINFORMADOwww.arteinformado.com

domingo, 22 de julio de 2012

MUESTRA DE ARTE-MERAVIGLIE DALLE MARCHE-DEL VATICANO A BUENOS AIRES

Muestra de arte Meraviglie dalle Marche-Del Vaticano a Buenos Aires-http://es.wikipedia.org/wiki/Marcas

MERAVIGLIE DALLE MARCHE-600 AÑOS DE PINTURA ITALIANA


1)Resurrección de Tiziano Veccelio-2)Asunción de la Vírgen,Pieter Paul Rubens,Santa Catalina de Alejandría de Rafael.Estas obras están expuestas hasta septiembre de 2012 en el Museo de Arte Decorativo,Buenos Aires,Argentina,"Meraviglie Dalle Marche,600 años de pintura italiana.http://www.arte-online.net/Notas/Meraviglie_dalle_Marche

viernes, 20 de julio de 2012

RUINAS DE COPAN HONDURAS Y PARQUE ARQUEOLÓGICO "EL PUENTE"

Declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1980-
Parque arqueológico "El puente"http://es.wikipedia.org/wiki/Escalinata_de_los_Jerogl%C3%ADficos

RUINAS DE COPÁN(ACTUAL HONDURAS) LEYENDA DE LA CIUDAD BLANCA




Ruinas de Copán,actual Honduras y,sitio Arqueológico "El Puente",ubicado en el municipio de Jigua.Abarca 8 manzanas explorados por primera vez por el danés Jens Yde en 1935-Es una extensión de la cultura maya.Se encuentra a 15 km.. de Guatemala.http://es.wikipedia.org/wiki/Cop%C3%A1n_(sitio_arqueol%C3%B3gico)
Figura rectangulas
Podría corresponder a una ciudad que alguna vez fue densamente habitada. No sería natural esta figura hallada en la selva Moiquitía en Honduras. Se pueden apreciar en www.laprensa.hn hoy 16/5/2013. Leer los coentarios dónde se explican los descubrimientos arqueológicos realizados.

jueves, 19 de julio de 2012

CULTURA VALDIVIA,RESTOS ENCONTRADOS EN EL ECUADOR

Cultura Valdivia,restos encontrados en el Ecuador.
Las artes y el lenguaje,constituyen una misma familia.Me asombra la aguda observación de la naturaleza.Éstos restos muestran diseños geométricos,increíbles,que solo pensé pertenecían a la cultura egipcia.Es una combinación de regularidad geométrica,con formas que remiten a retratos,modelos y relieves encontrados en las sepulturas,creenciashttp://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_Valdivia que se encuentran en el orígen de muchas culturas.
Construyeron una cultura sin copiarla.

VENUS DE FRÍAS-CULTURA VALDIVIA-(ECUADOR)

Venus de Frías,fue hecha en Esmeralda(Ecuador),también sostienen que puede provenir de Quimbaya(Colombia)-Emilio Estrada eminente especialista piensa que proviene de la fase Valdivia de Ecuador.http://www.arqueo-ecuatoriana.ec/homehttp://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_Valdivia
Venus Valdivianas-
La cerámica más antigua de América-en el Museo de La Plata(Argentina)

Dios Sol-500a.C.500 de la era Cristiana/Museo del Banco Central (Quito, Ecuador)

miércoles, 18 de julio de 2012

CULTURA VICÚS-PERÚ Y ETAPA CHAVIN

http://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_Vic%C3%BAshttp://www.historiacultural.com/2009/04/la-cultura-vicus-intermedio-temprano.html

La cultura Vicús, tiene tres etapas: Etapa Chavín/ Etapa de desarrollo original/ Etapa de influencia Mochica-
Textil Chimú

textil Chimú news.bbc.co.uk
Vestimenta ceremonial
de un niño de la nobleza: corona, unku)camisa) con diseño de cruz andina. Cetro con plumas y zapatos con adornos de plata. news.bbc.co.uk

MUSEO VICUS,TUMBAS BOTA Y CERÁMICA DEL ANTIGUO PERÚ



Tumbas Bota y Cerámica de la cultura Vicús en el Alto Perú,500 A.C. a 500 d.C.
Video sobre el Museo Vicús en la ciudad de Piura,Alto Perú

martes, 17 de julio de 2012

LILIANA FELIPE Y JESUSA RODRÍGUEZ- EL PROTOPLASMA-

Liliana Felipe y Jesusa Rodríquez-El protoplasma-en Buenos Aire(Argentina) en el Teatro Empire-2007

PERFORMATIVO

Boda de Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez,México DF,2001
El cuerpo ocupa un lugar importante en la Performance.Pero el lenguaje también juega un rol muy importante.El filósofo inglés J.L.Austin llamó "Performativos" a estos casos que,muestran cómo el lenguaje puede ser un ACTO.
Las palabras en ciertos contextos HACEN algo.Tienen repercusiones legales.Más que una descripción de un hecho,el performance se convierte en el hecho en sí.
Al casarse la pareja tiene que decir PROMETO.
Las palabras,como los lazos pueden amarrar.Pero los performativos en el lenguaje de Austin,sólo funcionan dentro de un contexto con circunstancias y convenciones específicas.Por ejemplo,la sacerdota tiene que ser una oficiante legítima,legalmente autorizada para casar a la pareja.Estos valores y convenciones tienen que respetarse para que el PROMETO,tenga fuerza jurídica.Un discurso puede ser PERFORMÁTICO,(teatral) sin constituir un acto legal.La palabra PERFORMATIVO,tiene un sentido muy específico,no es el adjetivo de la palabra Performance en inglés.
Cuando las convenciones para un PERFORMATIVO no existen,o no se reconocen, o se parodian,lo que resulta puede ser una obra de teatro,un ejemplo de performance art,o una forma de burla colectiva,reiterada y a veces estruendosa que los mexicanos llaman relajo.
Para Austin un PERFORMATIVO FELIZ,es un acto linguístico que actúa dentro de un contexto y sus códigos autorizados.La fuerza del acto de performance sería lo opueto.Como ejemplo de lo que Austin denomina PERFORMATIVO INFELIZ,el arte de performance cuestiona esas mismas convenciones y códigos.
El matrimonio performático de Liliana en 2001 fue un acto felizmente infeliz.Su matrimonio legal en 2010,luego de aprobarse el matrimonio igualitario en ciudad de México,fue un performativo feliz.

sábado, 14 de julio de 2012

GUSTAV KLIMT,(1862-1918)


Gustav Klimt,pintor austríaco 14 de Julio de 1862-Viena,1918
"No me intereso por mí mismo como "tema de un cuadro".En este sentido me intereso más por la otra gente,especialmente por las mujeres y aún más por otros aspectos.Estoy convencido de que yo,como persona,no soy especialmente interesante.Cuando me miras no ves nada especial.Soy un pintor que piensa día tras día de la mañana a la noche.Pinto figuras y paisajes,y raramente retratos."
Gustav Klimt

GOOGLE DEDICA SU DOODLE A GUSTAV KLIMT


El megabuscador le dedica su doodle al artista austríaco, a 150 años de su nacimiento.Los secretos de la obra
Google "cuelga" El Beso de Gustav Klimt para homenajearlo
El megabuscador le dedica hoy su doodle al artista vienés Gustav Klimt, a 150 años de su nacimiento, con un diseño de una de sus obras más conocidas, El beso.
El pintor austríaco nació el 14 de julio de 1862 en la pequeña ciudad de Baumgarten, Viena, y fue el segundo de siete hijos hermanos.
A los 14 años, gracias a su talento, recibió una beca para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena.
En 1888, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del Emperador Francisco José I de Austria por su trabajo en los murales del Burgtheater de Viena y más tarde fue nombrado miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena.
Sin dudas fue un pintor fuera de serie que se caracterizó por representar, a través de sus obras, su rebelión en contra de la burguesía y las costumbres de su época,marcando una ruptura con el arte de su tiempo, con la Academia y sus contemporáneos.
Cabe mencionar que el artista estuvo influenciado por el contexto intelectual y artístico de esa época que abarcó, por ejemplo, el pensamiento de Sigmund Freud y Gustav Mahler. A su vez,  fue uno de los grandes representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa y un precursor del expresionismo alemán.
Sus obras, que incluyen murales, lienzos, artesanías,  tuvo una marcada utilización de los colores dorados, y logró unir el simbolismo, geometría y ornamentación, evocando la “edad de oro” de Viena.
Su obra El beso, realizada en 1907, y señal de identidad del museo Belvedere en Viena, constituye una de sus pinturas más conocidas en las que logra encontrar en el desnudo femenino su inspiración a través de un estilo sensual y personal.
Con motivo de conmemorarse el 150° aniversario de su nacimiento, los principales museos vieneses organizaron una decena de exposiciones, desde su trabajo de decorador en el Burgtheater -el teatro más grande y más antiguo de Viena- y en el museo de Bellas Artes (Kunsthistorisches Museum), hasta sus dibujos, casi desconocidos para el público.
Si bien muchas de sus pinturas fueron confiscadas por los Nazis en la Segunda Guerra Mundial y algunas otras destruidas en su totalidad, sus obras son altamente apreciadas y valoradas en muchos países.

viernes, 13 de julio de 2012

EL ARTE DE LA PERFORMANCE:TEORÍA Y PRÁCTICA POR ESTHER FERRER

La imagen corresponde a María Bustamante(México) El pene como instrumento de trabajo(1982)
El video corresponde a Esther Ferrer en Es Baluard.Extracto de "El arte de la performance::teoría y práctica,realizado el 26 de enero de 2012.
La imagen de María Bustamante,fue lo que evoqué,en la performance.Este es el motivo por el que reuní ambas artistas.
Interpreté como un arte de ruptura,ademas es efímero.Era una clase,pero los espectadores,me parecieron muy pasivos.
En principio me pareció un lenguaje sin audio,articulado,de gestos como si estuviera destinado a personas con déficit de audición.Se trataba de lectura labial.
Someter el cuerpo a una verificación colectiva,ese examen a la vista de los contornos corporales resulta inquietante,muy movilizante.Me recordó al examen médico de mamas.Puede llegar a ser insoportable para algunos espectadores.Observé retirarse a varias personas ante el desnudo de los artistas en una obra que se representó durante muchos años en Buenos Aires(Argentina)."La lección de anatomía".Combina varios elementos como la radio,la zanahoria para crear algo inesperado.
María Bustamante nos advierte sobre el poder conservador de la mímesis:
"Los seres huanos nacemos pegados a nosotros mismos y programados para fundamentalmente reproducir lo que se nos enseña.Sometidos a esta programación,somos,en este sentido víctimas de lo que otros han hecho de nosotros mismos.Por decirlo de otra manera nosotros no somos nosotros,somos ellos"."Picardía femenina"en www.revista.escaner.cl/node/383

ESTHER FERRER:"LA PERFORMANCE"ES LA FORMA DE ARTE MÁS DEMOCRÁTICA


Esther Ferrer: “La ‘performance’ es la forma de arte más democrática”

CGAC abre hoy una exposición dedicada a la trayectoria de la artista vasca

Esther Ferrer ante algunas de sus obras en la feria ARCO de Madrid. / ULY MARTÍN
La trayectoria de Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) resume la historia de la performanceen España, un género artístico considerado menor por algunos pero que la creadora afincada en París ha sabido llevar a sus más altas cotas. En sus piezas incluye conceptos matemáticos y filosóficos y construye instalaciones con las que refleja las ideas que quiere expresar.
La exposición sobre su obra que se inaugura hoy en el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) se titula En cuatro movimientos y hace alusión a otras tantas ideas fundamentales que atraviesan su obra: tiempo, infinito, presencia y repetición. “La performance es la forma de arte más democrática que existe. No necesitas nada para hacerla, solo pensar en como llevarla a cabo”, concluye la artista, que obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2008. Con el galardón comenzó a recibir el reconocimiento que merecía por su sólida trayectoria. La muestra que llega ahora al CGAC ha estado antes en Vitoria y en Palma de Mallorca.
Ferrer considera que la performance ha cambiado bastante desde sus comienzos en la década de los 60, tanto por parte del artista que la representa como por el espectador que la ve. “Al principio teníamos la obsesión por alejarnos lo más posible del teatro y, sin embargo, creo que al final la performance ha acabado por influir mucho en los actores teatrales. Creo que es una disciplina que puede ayudar a entender la idea de lo que es arte y de lo que no lo es. No creo que sirva para cambiar el mundo, pero el artista sí que puede ayudar a la transmisión de ciertas ideas”, indica Ferrer.
Más allá de la complejidad de algunos conceptos que la artista maneja en sus obras, a veces la inspiración puede llegarle con una simple noticia en un periódico. “Esto me ocurrió hace un par de años. Tenía previsto una actuación en el Reina Sofía y unos días antes ví una noticia en el periódico en la que se hablaba sobre la muerte de 1.867 inmigrantes que trataban de entrar en Europa. Cambié mis planes e hicimos una performance, con ayuda del público, en la que repetíamos como una letanía los números hasta alcanzar la cifra de muertos”.
Las restricciones que también están afectando al mundo de la cultura en estos tiempos son vistos como algo “normal” por Ferrer: “Si hay recortes en los hospitales y en las escuelas como no va a haberlos en la cultura. El arte tiene que someterse al mismo régimen que otras cosas”. Aunque la tecnología aparece en alguna de sus instalaciones, Ferrer apenas necesita un objeto para transmitir ideas a través de su cuerpo. “Laperformance es una forma de arte nómada, podemos hacerla en cualquier sitio”, añade.
 www.arteinformado.com 
Publicado en elpais.com

jueves, 12 de julio de 2012

CINE PARA CIEGOS,EN LA HABANA,CUBA-VIDEO

http://www.guardian.co.uk/world/video/2012/jul/12/havana-blind-cinema-video

Este link conduce a un video muy interesante,que muestra la inauguración de un cine para ciegos en:La Habana(Cuba).

ÁLVARO VIILLALOBOS,"CAJA NEGRA"PERFORMANCE-COLOMBIA



El artista Álvaro Villalobos(Colombia) se encerró en una caja negra durante 40 horas.El público lo podía ver,pero él no le devolvía la mirada.Su Peformance hace visible la población que nunca se ve; los desplazados,la gente que en Colombia llaman "los deshechables".
La performance invierte la mirada del espectador: normalmente,la gente desamparada nos mira,pero se trata de evitar el contacto visual,no solo eso,sino también la gente con movilidad reducida,o alguna otra discapacidad visible,recibe miradas de desaprobación,de pena,de sorpresa y desagrado,molesta lo que se desvía de una norma o regla establecida acerca de lo normal.
El reto de esta performance no es sólo de lo que puede soportar el artista,sino de lo que puede tolerar el público,confrontado con una realidad que prefiere no ver.
álvaro Villalobos(Colombia),Caja Negra,Encuentro del Instituto Hemisférico,Bogotá,Colombia,2009.Fotos de Nikí Kekos
Fuente:Diana Taylor "Performance"www.asuntoimpreso.com

martes, 10 de julio de 2012

PERFORMANCE ART,PASOS PERDIDOS-MÉXICO D.F.

Peerformance Art,Pasos perdidos-transcurre en una esquina de la ciudad de México durante
el año 2007.

lunes, 9 de julio de 2012

LA TRADICIÓN DEL TEATRO BAILADO-RABINAL ACHÍ

Rabinal Achí,Guatemla,declarado por la Unesco: patrimonio cultural inmaterial.
Éste es un ejemplo de cómo la diferencia entre el archivo y el repertorio,nos ayuda a entender el poder
del performance para transmitir la memoria cultural colechttp://edant.revistaenie.clarin.com/notas/2008/05/03/01663279.htmltiva.http://es.wikipedia.org/wiki/Performance
Fotos Mark Tran-5632 asesinatos en 2012Los periodistas y reporteros gráficos se pelean por la posición en el aeropuerto de Presidente Otto Pérez Molina, el centro, lleva a cabo una breve conferencia de prensa antes de volar. Pérez, quien sirvió en las fuerzas especiales, ha hecho de la reducción del hambre y la desnutrición en una prioridad durante su presidencia. A pesar de franjas de exuberante tierra fértil, Guatemala tiene la tercera tasa más alta de desnutrición crónica (54,5%) en el mundo
Protección con rejas
Vendedor  de castañas de cajú, plátano y otras especies en Ciudad  de Guatemala/www.theguardian.com

RABINAL ACHÍ,PERFORMANCE MAYA-GUATEMALA




Son imágenes de Rabinal Achí",el drama de los mayas Achí de Guatemala,se ha bailado durante los últimos seiscientos años.La primera referencia escrita que tenemos de la obra data del siglo XVI en los documentos de la Inquisición que prohibieron las ya muy establecidas" danzas del Tun",como se clasifica el Rabinal Achí.El texto más antiguo de la obra fue escrito por Bartolo Zis,el holpop cantante que lo apuntó de memoria en 1850.En la obra el guerrero de Rabinal,captura al guerrero Quiché que ha estado provocando a la humanidad.Le da a elegir entre: integrarse a la corte de Rabinal,o ser sacrificado.
El investigador francés ,Georges Raynaud,mantuvo que era la "única obra dramática que nos ha llegado que no tiene elementos europeos".
"Rabinal Achí" fue declarada Patrimonio intangible de la Humanidad por la UNESCO en 2005.
Constituye una o un PERFORMANCE,no se limita a la repetición mimética,incluye también la posibilidad de cambio,crítica y creatividad dentro de la repetición.Diversas acciones y eventos como el arte de Performance,la danza el teatro, y y los actos sociopolíticos y culturales,como los deportes los rituales,los desfiles militares y los funerales,tienen elementos reiterados que se re-actualizan.Tienen sus convicciones y su estética y están claramente separados de otras prácticas sociales de la vida cotidiana.

domingo, 8 de julio de 2012

COLOSAL EXPOSICIÓN EN ROMA EN 2010 DE CARAVAGGIO

Caravaggio,colosal exposición en Roma del pintor de las luces y de las sombras,A 400 AÑOS
de su muerte..

LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO 1600-1601,ÓLEO SOBRE LIENZO-CARAVAGGIO

Los cuartos traseros de un caballo ocupan la mayor parte de esta pintura.La fuerte iluminación ayuda a definirla.Esta composición mas bien abrupta se explica por su localización colgada en la entrada de la Capella Cerasi debe observarse desde un ángulo determinado.La Capella está en Santa María del Popolo,Roma,Italia.
Observar el casco de caballo y la mano del mozo de cuadra.El carácter dramático de la escena reside en el casco levantado,que está especialmente iluminado,como si estuviera a punto de golpear a San Pablo.
La figura principal de San Pablo que acaba de caer de su caballo,aparece tumbado en el suelo en una postura dramática,con los brazos extendidos en señal de asombro.Se le acaba de aparecer Jesucristo y aparece cegado por una luz celestial.Se trata del momento en que Saúl se convierte al cristianismo.Todo aparece bañado por una luz dorada.
La capa y la espada representan la vida de San Pablo hasta el momento retratado en la pintura.San Pablo era un soldado romano dedicado a la persecución de los cristianos.De repente oye una voz divina que le dice "Saúl,Saúl,¿por qué me persigues?"A partir de ese momento pasa a conocerse con el nombre de San Pablo,el fundador de la iglesia católica.La capa también recuerda al envoltorio del Niño Jesús,un ícono del cristianismo.

viernes, 6 de julio de 2012

CARAVAGGIO(DEREK JARMAN,1986)-RESTAURACIÓN DE "lA RESURRECCIÓN DE LÁZARO"

1)Restauración de la obra "La Resurrección de Lázaro"
2)Episodio de la película "Caravaggio"del realizador británico Derek Jarman,1986-Cuando ví esta película o Caravaggio,me miró,quedé fascinada para siempre,es mi pintor preferido entre todos los grandes genios de la pintura.En la película además de relatarse su vida breve y dramática,se muestran sus pinturas,jamás olvidé,ese día,y luego leí,críticas muy desagradables acerca de la película,en mí había producido el efecto contrario.
La fuente del comentario es el libro de Didí-Hubermann"Lo que vemos,lo que nos mira"