jueves, 27 de enero de 2011

KRUGER,BARBARA

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Algunas de las frases expresan
Hago compras por lo tanto soy.
Tienda,luego existo
El cuerpo es un campo de batalla.
Las imágenes de Kruger están basadas en la iconografía del cine y la televisión,revelan y analizan los estereotipos de los medios de comunicación,y de la publicidad.Discursos que intentan colonizar el goce,hay que gozar de conformidad con ciertas reglas y cada vez que los derechos del hombre se topan con OTRO,prohibidor surgen los problemas.Existe una preocupación de cada uno por sí mismo fuera de todo lazo social.La oferta está dada por el Mercado que impone ciertos goces emparentados con la compulsión a comprar,que impone a todos ,goces estandarizados.Bárbara Kruger cuestiona el consumismo la autoridad y el poder.Y,se impone un discurso que intenta domesticar un goce imposible que es el goce del cuerpo y de la sexualidad, el espacio dónde no hay modelo ni norma sóbre cómo gozar.Ya observaba Lacan de 1979 en sus conferencias sobre Joyce dónde al hablar de aquél ya señalaba que,como el hombre tiene un cuerpo,es por el cuerpo que se lo posee.Citado por C.Soler en "La maldición sobre el sexo"pag.240 cita además que en la expulsión de los extranjeros,se toma a una persona y se la despacha a otra parte.Es decir que verdaderamente se la reduce a su cuerpo".

KRUGER,BARBARA-CINDy SHERMAN-

BK: La brevedad del texto es una forma de eliminar lo superfluo. Sólo quiero dirigirme a la gente de una manera muy directa. Es por eso que siempre uso pronombres, porque abren camino de la misma manera. La apelación directa ha sido una táctica consistente en mi obra, independientemente del medio en el que trabaje. Intento manejar las complejidades del poder y de la vida social, pero en lo que se refiere a la presentación visual, deliberadamente evito un alto nivel de dificultad. Quiero que la gente se sienta atraída hacia el espacio de la obra. Y mucha gente se asemeja a mí en el sentido de que tiene lapsos relativamente cortos de atención. Por lo tanto, apunto a la ventana de oportunidad. Entrevista realizada por Thirca Nichols Goodeveen en 1997 en la revista Art in América.La pregunta fue la siguiente:su uso del lenguaje hace énfasis en la comunicación y el contacto;usted no dice tan sólo "Mire voy a darle una idea" dirigirse directamente ha sido siempre un rasgo importante de su obra.

http://www.andywarhol.com/       Cindy Sherman Autorretrato



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miércoles, 26 de enero de 2011

BARBARA,KRUGER

Newark (New Jersey), 1945

Artista estadounidense.

Su obra se caracteriza porque, tanto en el campo de la imagen como en el del lenguaje, lleva a cabo un trabajo de apropiación en el que critica tanto los lugares comunes como los estereotipos; para ella los estereotipos se encuentran dentro de los procesos sociales de integración o exclusión, así como en los de dominación o autoridad. Suele trabajar con fotografías que amplía, recorta y combina, subrayando su carácter estereotipado y añadiendo textos que retoman lugares comunes del lenguaje.


http://www.masdearte.es/

BARBARA,KRUGER-INSTALACIÓN-2009

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El arte de hoy ya no hace afirmaciones,está despojado de certezas y,plantea preguntas sobre una realidad que se vuelve cada vez más compleja."No hay un esquema conceptual universal que abarque la diversidad de las culturas del mundo".Nuestra singularidad se siente amenazada por la tendencia hacia la homogeneización de los modos de vida masivos,"los mismos objetos,las mismas costumbres,los mismos modos de vida,impulso hacia lo mismo"El poder de hoy actúa con el verbo,con la apropiación de los puestos claves,con la apropiación de los medios de comunicación.Bárbara Kruger,abordó el espacio ampliado de un mundo globalizado.

BARBARA KRUGER


CITY UNIVERSITY OF NEW YORK-VIDEO INSTALACIÓN-OCTOBER 2008

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KRUGER,BÁRBARA-NEWARK,(NUEVA JERSEY) EE.UU.-1945

Sin Título (No puedes llevarte tu dinero contigo a la tumba) 1990
Esta obra ,un par de zapatos indica la posición que pudo haber tenido un hombre de negocios acaudalado,cuestiona el materialismo de la sociedad moderna.Hace un juego irónico de las convenciones del arte publicitario,se puede considerar un cartel publicitario,antipublicitario.Kruger empezó a realizar montajes de imágenes y textos a prinicipios de los años ochenta,investiga como recibimos los mensajes visuales y verbales que ponen en circulación poderes anónimos,e intenta intervenir en este proceso invirtiendo su lógica.Había trabajado en diseño gráfico y comercial,lo cual le había permitido conocer las estrategias de persuación utilizadas por los medios de comunicación.
Estampado por serigrafía/vinilo. Obra similar: Martha Rosler,Cocina con bandas rojas,1990
http://www.edimat.es/

martes, 25 de enero de 2011

DENNIS OPPENHEIM-1938-2011

proceso desértico

Beeba Lake Ice Cut,realizar cortes en una parte de la superficie congelada de un lago.
Laberinto 1970-Colección Privada
OBRAS SIMILARES-Christo and jeanne-Claude.Costa empapelada Little bay(Australia) Walter de María,Campo de relámpagos ,1977
Arte Moderno-Michael Kerrigan,Edimat Libros S.A. Madrid-ESPAÑA
Espiral
retorcida en el espacio que se extiende hasta convertirse en una casa

OPPENHEIM,DENIS-ESPAÑA 2007-BODY TECNIQUES STRESS


OPPENHEIM ,DENNIS Laberinto,1970 ARTE DE LA TIERRA

La gran Serpiente de Ohío se desliza serpenteante durante unos 400 metros por el interior de Ohío rural estadounidense(fue construída por la cultura Hopewell hace unos 1500 años).Los trabajos de la tierra rituales de un tipo u otro se realizaban mucho tiempo atrás en la época prehistórica.Hoy no podemos comprender las fuerzas sociales y culturales que motivaron las construcciones de dichos monumentos pero nos siguen dando un mensaje.
Dennis Oppenheim fue un pionero en el conceptual Land Art.Le preocupaba acercar los espacios a la gente,y consideró a la tierra como ese espacio privilegiado que debía protegerse.Además fue pionero en el Body Art,presente en el orígen del Arte,donde ya están los cuerpos,le interesó además la fotografía,la escultura y la arquitectura,sin olvidar las performances.
Actualmente estos temas se han transformado en prioritarios para el mantenimiento de nuestra vida en la tierra,por ejemplo la desertización,por el mal uso de los cultivos en estas tierras,constituyendo una gran amenaza para el ambiente y el rendimiento agrícola.El hombre favorece la erosión cuando realiza prácticas agropecuarias inadecuadas.Hay dos tipos de erosión la natural y la antrópica (causada por el hombre)se divide en pluvial y eólica.
http://www.artespain.com/

lunes, 24 de enero de 2011

TOUTH AND NAICE FILM AND VIDEO 1970-74-DENNIS OPPENHEIM

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DOLOR ANTE LA PERDIDA DE DENNIS OPPENHEIM-1938-2011

Dennis Oppenheim estuvo presente en aquel junio del 72, formando parte de un impresionante grupo de figuras clave de la vanguardia artística internacional, como Carl André, Baldessari, Christo, Walter de María, Kosuth, Richard Long, Robert Moris, Bruce Nauman y Richard Serra.




Dennis Oppenheim (Washington, 1938) vive y trabaja en Nueva York. Recientemente, destaca el hecho de haber sido seleccionado para participar como artista en las Olimpiadas 2008 de Beijing, China. Es uno de los artistas más influyentes en el panorama artístico internacional contemporáneo, pero ya alcanzó reconocimiento mundial en los años sesenta por su trabajo conceptual y sus actuaciones en los ámbitos del Land Art, del Body Art, el vídeo y la performance. En los años ochenta usó construcciones complejas, instalaciones de máquinas con las que creaba metáforas sobre el proceso artístico. La transformación a través de la mutación era la base para su escultura de los años noventa. Desde entonces el artista se ha concentrado en la escultura pública permanente. En ella, se funden sus intereses por la arquitectura y la escultura.



Eugeni Bonet (Barcelona, 1954) es artista, comisario y escritor. Desde el año 1973, trabaja en el campo del arte audiovisual, vídeo, cine experimental y arte digital.



http://www.revistadearte.com/

DENNIS OPPENHEIM-1938-2011

Reproducimos las palabras que hoy dedica a Dennis Oppenheim su amigo Cristóbal Gabarrón en El Norte de Castilla:










Dennis era ya un artista excepcional y todo un mito en el mundo del arte contemporáneo cuando a finales de la década de los 60 supe de él por el impacto que me causó su obra de 'Arte de la tierra' ('Earth art y land art'). Más tarde tuve oportunidad de conocerle en Nueva York en los años ochenta a partir de la exposición que el Whitney Museum of American Art le dedicó. En los noventa organizaba unas fiestas maravillosas en su 'loft' de la calle Franklin, en Tribeca, donde fui alguna vez con mi hijo Cris, al que le encantaban esos encuentros donde se daban cita una singular mezcla del 'culturburgo' neoyorquino como diría Tom Wolfe de artistas, modistas, escritores, bohemios, galeristas, críticos, modelos, actrices, multimillonarios y coleccionistas. Pero desarrollé una profunda amistad a partir de las tertulias que celebraba algunos fines de semana, tanto en su apartamento, o en el mío. O cuando íbamos a su casa de campo de los Hampton en Long Island. Allí es donde hablamos por primera vez de Valladolid, en uno de los paseos por la playa mirando hacia el Este. Su curiosidad era enorme, era un gran ser humano, una gran persona. Dennis visitó por primera vez Valladolid en 1997, a partir del interés que el concejal de urbanismo de aquel momento, Alberto Gutiérrez Alberca, quien pensó que una buena idea de rendir homenaje a la Seminci sería a través de la instalación de una escultura monumental de un artista internacional. Y así fue, al año siguiente inauguró su 'Escenario para una película' en una de las nuevas rotondas del Paseo Zorrilla. En 2004 nuestro museo le organizó una exposición retrospectiva itinerante que, arrancando desde el propio Museo Fundación Cristóbal Gabarrón de Valladolid, fue al Círculo de Bellas Artes de Madrid, al Centro de Arte Bancaja de Valencia y a la Casa Díaz Cassou y Sala Verónicas de Murcia. El año pasado expusimos juntos y con Christo en el Armory Show de Nueva York. Actualmente, en Las Salinas Arte Contemporáneo de Medina del Campo, en el museo de escultura al aire libre que expone nuestra colección de arte público, le dedicamos un gran espacio con obras de diferentes épocas.


http://www.masdearte.com/

DENNIS OPPENHEIM- ADIOS

martes, 18 de enero de 2011

Y

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Empleo de la palabra en un lienzo,como si fuera una pintura.Hacer un bollo con las palabras perdiendo el contenido semántico. De esta manera el lenguaje deviene un material artístico.En 1968 Set Siegelaub comisarió una muestra en forma de libro fotocopiado. Y Lawrence Weiner publicó sus declaraciones en formato de libro.Edward Ruscha realizó una serie de listas en las que expresó la posibilidad de que el lenguaje sustituyera las propiedades representativas de las imágenes visuales.
(4.1212) "Lo que puede ser mostrado no puede ser dicho.Lo que se expresa en el lenguaje,no podemos expresarlo nosotros a través de él"Wittgenstein "Tractatus Lógico Philosophicus"(1921)

El arte de Joyce nos dice Lacan en el Seminario 23 "El Sinthome"pag.94 se le impone cada vez más una cierta relación con la palabra-a saber,destrozar,descomponer esa palabra que va a ser escrita-hasta tal punto que termina disolviendo el lenguaje mismo.El termina imponiendo al lenguaje mismo una especie de quiebre,de descomposición que hace que ya no haya identidad fonatoria.
Jan y Marty fueron devorados por el lenguaje,se perdió el sentido de la misma manera que desaparece un texto completo en la Notbooke y hay que reeditarlo,no siendo jamás el mismo.Quedamos hechos un bollo de letras y palabras que nos han sido impuestas.Surge el espanto ante lo imprevisto,ante lo familiar que ha devenido siniestro,Unheimlich.
Fuente: Osborne Peter "Arte Conceptual"-Phaidon,2006

lunes, 17 de enero de 2011

ARTE CONCEPTUAL-JOSEPH KOSUTH-TOLEDO-OHIO-(EE-UU)-1945

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Los significados de las expresiones no están en la cabeza de los hablantes.Los conceptos que los hablantes relacionen con ciertos términos,las imágenes mentales que las palabras pudieran provocar en nosotros,o las intenciones de los hablantes son,en esta concepción estrictamente irrelevantes para la cuestión del significado.Kripke
Agrego, tampoco el significante produce significados,pueden producir cadenas que circulen de significante en significante para lograr "ciertos efectos de significación,que puede ser sólo un lapsus".

SOY ARTISTA EN UNA EPOCA EN QUE LA FILOSOFÍA HA MUERTO-2007

El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) ha encargado a Joseph Kosuth, uno de los más destacados artistas conceptuales, cuatro instalaciones específicamente concebidas para la ocasión. Dos de ellas forman parte de sendas series internacionales del artista y las otras hacen referencia a las relaciones históricas entre América, Europa y los antiguos habitantes de Canarias.






"La historia es un proceso de observación en el que desarrollamos material que fertiliza el pensamiento"

Contra la opinión mayoritaria de los cartógrafos de su tiempo, Martin Waldsemüller sostenía que la Tierra no era plana sino esférica y para argumentarlo construyó en 1507 un globo terráqueo, el único en que no figura el continente americano, confundido con la India por su descubridor. La Casa de Colón posee uno de los escasos facsímiles de aquel globo, y en él, y en algunos de los mapas que custodia el museo de Las Palmas, se ha basado Joseph Kosuth (Toledo, Ohio, 1945) para construir su instalación Otro mapa para no indicar: El mundo antes de América, una de las cuatro de que consta su exposición Terra Ultra Incognita. Kosuth, referente histórico del arte conceptual, ha intervenido también por encargo del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) entre las momias del Museo Canario, donde ha dispuesto a modo de epitafio lápidas con sentencias de Pascal, Camus y otros pensadores; en la sala San Antonio Abad, que ha empapelado con una maraña de citas sobre las nociones de invitado y extranjero, y en la fachada del propio CAAM, sobre la que ha extendido neones con las versiones de la palabra "significado" en distintas lenguas. Aunque los manuales al uso siguen cargando el acento en el Kosuth de los años sesenta, asociado al ala más dura del conceptualismo y a una práctica artística autorreferencial obstinada en trasladar al arte algunas reflexiones del positivismo lógico, hace tiempo que el creador norteamericano emprendió un cambio de rumbo para explorar las posibilidades de mediación de la obra en el contexto. ¿Qué queda entonces del Kosuth subyugado por Wittgenstein? A juzgar por aserciones románticas como las que hace en esta entrevista -"soy artista en una época en la que la filosofía ha muerto"- no mucho, todo lo más una serie de dispositivos tautológicos dispuestos sobre un tablero de juego formal.



PREGUNTA. ¿Puede hablarnos sobre el núcleo del proyecto que ha producido para el CAAM?



RESPUESTA. Mi proyecto básico como artista se centra en los mecanismos de producción de significado, éste ha sido el objeto de mi investigación durante los últimos 35 años. Intento entender cómo construimos el significado en el arte para comprender las dimensiones sociopolíticas e históricas de nuestro tiempo. Soy artista en una época en la que la filosofía ha muerto.



P. En los años ochenta su obra giró desde la reflexión metaartística hacia la interrogación sobre el contexto en el que se presenta el arte, a lo que responden obras como las que ha realizado en Las Palmas. ¿Qué puede decirnos sobre su proceso evolutivo?



R. En los sesenta produje obras como Una y tres sillas que planteaban preguntas muy complejas sobre el discurso. Lo hice cuestionando la naturaleza del arte como parte de la producción del significado. Es necesario comprender cómo funcionan las obras en el mundo, cómo las sociedades producen significado, por eso, como parte de mi formación académica para ser artista, estudié antropología.



P. A propósito de la antropología, en 1974 escribió usted El artista como antropólogo y años más tarde Hal Foster publicó un ensayo de título casi idéntico, El artista como etnógrafo. ¿Qué le parece el texto de Foster?



R. Nunca he leído este artículo de Hal Foster aunque he leído sobre él. En Nueva York hay un grupo de intelectuales que eran formalistas modernos y que en un momento dado sintieron la necesidad de adoptar una nueva posición, pero al hacerlo ya no podían abrazar a los mismos artistas que abrazaban cuando eran modernos. Hal Foster nunca ha hecho público que haya estudiado mi trabajo pero es sabido que el grupo October lo estudia en secreto.



P. En la Casa de Colón trabaja sobre mapas antiguos y en el Museo Canario, con momias prehispánicas. ¿Qué pone en juego en estas intervenciones?, ¿está desafiando la autoridad del discurso histórico?



R. No hay razón para desafiar a la historia. La historia es un proceso de observación en el que desarrollamos material que fertiliza el pensamiento. El nexo de las cuatro partes de mi exposición está en la sala San Antonio Abad. Invitados y extranjeros es una obra que vengo realizando desde principios de los noventa en todo el mundo y realza el hecho de ser invitado o extranjero, otra dimensión de la persona. Las otras instalaciones juegan entre sí con estos conceptos. En la Casa de Colón he intentado hacer algo que nos haga sentir cómo creamos nuestra imagen del mundo. Siento que en este momento el mundo sufre una especie de fatiga americana y pensé que era importante ver lo que era antes de que América se introdujese en él. En el Museo Canario he insistido una vez más en la cuestión de los invitados y extranjeros, que es parte de nuestra identidad. He trabajado en una sala con mucho poder por la presencia de las momias. En la fachada del CAAM he realizado la intervención Catorce localizaciones de significado. A medida que instalo esta pieza en distintos lugares incorporo nuevos idiomas. En Canarias he añadido el wolof, una lengua que se habla en Senegal, Mauritania y Gambia, porque es el idioma de los nuevos invitados y extranjeros de las islas.



P. ¿Hasta qué punto esta repetición en neón de la palabra "significado" en distintos idiomas no constituye una tautología formalista?



R. Debe de tener en cuenta que vengo trabajando desde los años sesenta con la tautología, que es un instrumento que sirve simplemente para revelar la naturaleza del arte en un contexto de arte. Quizá lingüísticamente la tautología no proporcione ninguna respuesta pero revela este significado en un contexto artístico.



P. Como ex miembro de Art & Language y como autor de Necrophilia Mon Amour, ¿qué piensa de la pintura de este grupo?



R. La pintura de Art & Language no existe. Hubo un grupo originario que fue importante y que hizo un trabajo paralelo al mío. En 1975 hubo un pacto entre caballeros para disolverlo, pero más tarde dos de sus miembros rompieron este acuerdo y empezaron a pintar bajo el nombre de Art & Language. Fue como volver a juntar a los Beatles para que tocaran jazz, un robo corporativo, una triste nota a pie de página.



P. ¿Qué opina de la carnavalización del conceptualismo contemporáneo?



R. Cuando empecé tuve que darle un nombre especial a mi trabajo y lo llamé arte conceptual. Produce gozo, aunque al mismo tiempo es una señal peligrosa, comprobar que los artistas ya no necesitan nombres especiales para su arte, que lo puedan llamar simplemente arte. Pero para eso ha hecho falta que pasen treinta años.



P. Benjamin H. Buchloh y Peter Osborne son dos historiadores del arte conceptual muy críticos con su figura. ¿Qué concepto tiene de ellos?



R. Peter Osborne es más periodista que historiador del arte, el suyo no es un trabajo bien informado, no es una fuente de la que uno se pueda fiar. Benjamin H. Buchloh es sólo un periodista polémico que usa nada más que aquello que puede contribuir a la polémica de sus artículos.



Terra Ultra Incognita. En las sedes del CAAM (San Antonio Abad y Balcones, 9). Casa de Colón y El Museo Canario, en Joseph Kosuth.



Las Palmas de Gran Canaria


http://www.elpais.com/

sábado, 15 de enero de 2011

ONE AND THREE CHAIRS-1965-JOSEPH KOSUTH

Fotografía de una silla y ampliación fotográfica de una definición de diccionario."El arte como idea como idea" Kosuth las refiere a las palabras de 1962 de Ad Reinhardt "El arte es arte como arte y todo lo demás es todo lo demás"."El arte como idea como idea"alude al auténtico proceso creativo,y el cambio radical residía en modificar la propia idea del arte".El objeto en este caso una silla,está flanqueado por las dos representaciones,lo cual realiza las relaciones y las disparidades conceptuales entre éste,su definición y su imagen visual.
"El arte de concepto es ante todo un arte cuyo material son los conceptos,como el material de la música es el sonido.Dado que los conceptos están intimamente relacionados con el lenguaje,el arte conceptual es un tipo de arte cuyo material es el lenguaje".
Flynt Henri-Concept Art-1961

viernes, 14 de enero de 2011

JOSEPH KOSUTH-1945 - TOLEDO -OHIO-EEUU-ACÁ EN FRANCIA-2010

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El arte conceptual es un nodo crucial en una historia político cultural concreta que el artista y crítico Jeff Wall ha llamado "el sueño de una modernidad con contenido social" y que continúa vigente.Y también está el papel de las estrategias conceptuales en el arte "post conceptual" y "neo conceptual"más comercial de nuestros días.

JOSEPH KOSUTH-1945-OBRA PRESENTADA EN 2006

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"Las Determinaciones universales del arte corresponden a las evoluciones del arte.La Situación histórica del arte (real) Que ha perdido TODO SENTIDO de La Razón de Ser del arte vuelve la vista al pasado con la esperanza de Hallar el Concepto del arte, el cual sea Adquiere Cierta unidad retrospectivamente.Dicha unidad no es abstracta, busque Más Sino el Despliegue del arte con su propio Acuerdo un concepto.Por Ello en todos los Aspectos, la teoría del arte presupone Análisis Concretos ningún Como pruebas o EJEMPLOS, Como sino-Do Propia Condición "Adorno, W." Teoría estética "Barcelona: Orbis, 1983Ar

jueves, 13 de enero de 2011

JOSEPH KOSUTH-1945

En su ensayo de 1969 "Arte después de la Filosofía", artista y teórico Joseph Kosuth sostuvo que el discurso tradicional de la historia del arte había llegado a su fin. En su lugar propuso una investigación radical de los medios por los que el arte adquiere su importancia cultural y su condición de arte. "Ser un artista hoy", comentó Kosuth, "significa cuestionar la naturaleza del arte. Si uno cuestiona la naturaleza de la pintura, no se puede cuestionar la naturaleza del arte. . . Eso es porque el "arte" la palabra es general y la pintura "la palabra es específica. La pintura es un arte. Si realiza pinturas ya está aceptando (sin cuestionar) la naturaleza del arte. "




Durante esta etapa formativa en su obra, Kosuth hizo la naturaleza tautológica del arte explícito. Como una proposición analítica, el arte presupone la existencia de una entidad estética que cumple los criterios de "artness." Este criterio, como Marcel Duchamp demostró con sus readymades, podría consistir simplemente en la declaración "se trata de una obra de arte." Utilizado Kosuth este enfoque lingüístico para explorar los contextos sociales, políticos, culturales y económicos a través del cual el arte se presenta y se define así. Para demostrar este aspecto discursivo del arte, el lenguaje empleado Kosuth a sí misma como su medio. El resultado fue un arte con rigor conceptual carece de toda presencia morfológicas; provocación intelectual sustituye la percepción de palabras desplazadas imágenes y objetos. Este cambio se anunció en primer lugar Kosuth de Investigaciones (subtitulado El arte como idea como idea), una serie que incluye fotocopias de las definiciones del diccionario de palabras como "agua", "significado" y "idea". Acompañando estas imágenes fotográficas son los certificados de la documentación y la propiedad (no de pantalla) que indica que las obras se pueden hacer y rehacer para fines de exposición. Esta estrategia de presentación representa el intento de Kosuth para socavar la preciosidad del objeto artístico único y su lugar privilegiado en el museo. Trató de demostrar que el "arte" componente no se encuentra en el objeto mismo sino en la idea o el concepto de la obra.



Junto con otros artistas conceptuales Kosuth libró un ataque a la estética convencional que ha informado a las estrategias de una generación más joven. Desde la empresa inicial de Kosuth, estos artistas han heredado un enfoque deconstructivo de arte en el que una crítica de la producción de sentido tiene prioridad sobre la comunicación de significado.



Nancy Spector



Joseph Kosuth



"Bajo el título (El arte como idea como idea) [agua], 1966. Fotostática, montado a bordo, 48 x 48 pulgadas (121,9 x 121,9 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, de regalos, Leo Castelli, Nueva York 73.2066. © 2009 Joseph Kosuth / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

ESPÍRITU DEL TIEMPO-2010

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Muestra el clima intelectual y cultural de una era. Una progresión dialéctica del mundo entero.

ART & LANGUAGE-INDEX 01-LISSON GALLERY

ARTE CONCEPTUAL- ROBERT BARRY

miércoles, 12 de enero de 2011

ART & LANGUAGE -INDEX 001

Museo de Arte Moderno de Lille (Francia) 2002

En realidad ningún proyecto de arte conceptual puede reflejar,en cuanto a su alcance y estructura,la seriedad de una confrontación intelectual con tanta nitidez.
Esta confrontación con distintas manifestaciones del Lenguaje nos remite a una falta primera de la existencia misma de ser viviente y sexuado donde la anticipación nos remite al posible fracaso del proyecto humano. Somos hablados.Lacan en su Seminario "Aun" nos habla de una frase que modula toda nuestra existencia,reconocida por algunos signos enigmáticos que nos remiten al inconsciente.Más adelante , nos dirá que el inconsciente funciona según la modalidad del "está escrito".También evocando la figura del Destino nos hablará del inconsciente como "maldición",mal-di(c)ción."
Lacan J.Aun Seminario 20 Buenos Aires-Paidos, 2007
Soler Colette "La maldición del sexo"Buenos Aires-Manantial,2008

ART & LANGUAGE-INDEX 001

En la documentaV bajo el título de Index 001 Art & Language presentó en 1972 su proyecto más amplio hasta entonces.En una gran sala se exponían cuatro bloques con dos archivadores en cada uno de ellos,cuyos 48 cajones en total recogían los textos y fragmentos del grupo publicados en la revista Art & Language y los inéditos hasta entonces.Los textos estaban clasificados según un doble criterio:en primer lugar seguían un orden alfabético y además se ordenaban teniendo en cuenta su grado de completud.Las grandes superficies murales estaban llenas de hojas en las que se ofrecía 350 referencias a los textos con los símbolos -,+ y T eran compatibles o incompatibles o no presentaban ningún valor relacional.Los resultados se integraban en un sistema de relaciones complejo e intrincado.
El discurso sobre el Arte como una forma de discurso en sí mismo.Cómo no pensar en Borges y su texto "La Biblioteca de Babel"donde se habla de la función de una biblioteca que contuviera todos los libros,dónde se hallara el texto justificado,el de cada  uno.Claro había un agujero central por el cual se puede caer en la búsqueda de un texto imposible.

martes, 11 de enero de 2011

SOL LEWITT-1928-2007-EEUU-PÁRRAFOS SOBRE ARTE CONCEPTUAL-1967

Afirma lacónicamente "No importa Qué Aspecto del tenga la obra de arte" y admitir El Mismo valor a las ideas, los ESBOZOS los Modelos y las conversaciones.La concepción mental de De Una obra es de La Misma categoría Que su realización.Fue El Primer manifiesto teórico del Arte Conceptual, se Comprende mejor Como Explicación del Proyecto del autor.A Diferencia de Lawrence Weiner o de Kosuth Insiste en la Necesidad de la Realización de Sus concepts.

catálogo de la exposición catálogo de la Exposición


envolturas envolturas

offset impreso Impreso en compensado

obligados Cosido encuadernados cosidos

& amp-blanco y negro; de color negro y de color y negro

30 x 23 cm. 30 x 23 cm.

[78] pp. [78] pp

Tamaño edición 2500 edición de 2500 Tamaño

pecado sin firmar y sin numerar sacrificar las exigencias y numerar pecado

ISBN 0947830243 ISBN 0947830243

Art & amp; Idioma: Rehenes XXV - LXXVI Art & amp; Rehenes XXV - LXXVI: Idioma

Art & amp; Idioma, David Batchelor, Christian Schlatter, Mel Ramsden, Michael Baldwin Art & amp; Idioma, David Batchelor, Schlatter cristiana, Mel Ramsden, Michael Baldwin



Catálogo de la exposición publica para documentar la serie de shows "rehenes": "Rehenes XXIV - XXXV" celebrado en Marian Goodman Gallery, Nueva York, 6 a 31 marzo 1990; "Pinturas Hostage: The Series Oscuro", Lisson Gallery, Londres, marzo 15-abril 12, 1991; y "Rehenes" Galerie de Paris, París, mayo 16-junio 15, 1991; "Pinturas Hostage 1987 - 1991", celebrado Institute of Contemporary Arts de Londres, marzo 15 a abril 21, 1991; John Hansard Gallery, La Universidad, Southhampton, 7 mayo hasta 22 junio 1991; y Arnofini Gallery, Bristol 31 de agosto - 5 de octubre de 1991. Catálogo de la Exposición publica del documento de la serie de espectáculos "Rehenes": "Rehenes XXIV - XXXV", Celebrado en Marian Goodman Gallery, Nueva York, 6 de Hasta el 31 de marzo 1990, "Pinturas de Rehenes: la serie Dark", Lisson Gallery, Londres, marzo de 15 a 12 de abril de 1991; y "Rehenes" Galerie de Paris, París, mayo 16 a junio 15 de 1991, "Pinturas de Rehenes 1987 un 1991", Celebrado el Institute of Contemporary Arts, Londres, marzo 15 a abril 21, 1991, John Hansard Galería de la Universidad , Southampton, 7 may-22 jun, 1991 y Galería Arnofini, Bristol, 31 de agosto a 5 octubre de 1991. Incluye una transcripción de una conversación entre David Batchelor, Mel Ramsden y Michael Baldwin. Incluye Una transcripción De Una Conversación Entre David Batchelor, Mel Ramsden y Baldwin, Michael. Ensayo de Christian Schlatter. Cristiana Ensayo de Schlatter. Texto en francés e Inglés. Texto, en Francés e Inglés.



París / Londres / Nueva York, Francia / Reino Unido / Nueva York: Galerie de Paris / Lisson Gallery / Marian Goodman Gallery, 1991 París / Londres / Nueva York, Francia / Reino Unido / Nueva York: Galeria de Paris / Lisson Gallery / Galería Marian Goodman, 1991 Fuera de Stock Fuera de Stock ocasiones, fuera de stock artículos estén disponibles para la venta. De Vez En Cuando, Fuera de EXISTENCIAS de Productos Esten Disponibles Para La Venta. Si desea ser notificado cuando este producto está disponible, envíenos un correo electrónico. Si USTED quisiera ser notificado CUANDO this Elemento is available, Envíenos Correo electrónico ONU.
 Incompleto Cubo Abierto
Variaciones
del cubo incompleto, 1974

Pinturas Murales

MEL RAMSDEN

Experimentación linguística,organiza palabras,fórmulas números incluyendo la idea y el contexto.En líneas sin sentido con fragmentos de otras conversaciones,

MEL RAMSDEN (1944)

Tautológica autorreferencia
La tautología es el equivalente conceptual de lo monocromo. Es la tesis de que es necesariamente cierto, que manifiesta su verdad por lo tanto no se transmite la información. (En términos kantianos: una tautología expresa un juicio analítico.) Tautologías prototípicos son las verdades de la lógica y las matemáticas.
Una declaración circular puede ser tautológica de que su forma es su garantía de verdad. ("Dit es Nederlands." "Esta frase se compone de seis palabras".) Dichas declaraciones auto-referencial verdad a veces se presentan como obras de arte visual: pintura descripciones verbales que indican una o más propiedades de auto-evidente de la propia pintura.
En el arte conceptual, esta estrategia se utiliza con tanta frecuencia que a veces se toma como la característica definitoria de este género artístico. Al comentar sobre las pinturas Fecha Kawara, el Gudrun Inboden afirma: "Dass morir einzelne Arbeit mitteilt nichts, fue über den ablesbaren Tatbestand hinausginge, ausser nichts und sich verkörpert selbst (hier ihre un einen bestimmten etiqueta geknüpfte Entstehung), ist das spezifische Merkmal von Konzeptkunst. " [Cf. Staatsgalerie Stuttgart:. On Kawara]
declaraciones auto-referencial, no tiene por qué ser tautológica. Pueden ser contingentemente verdaderas, falsas contingente, o paradójico. El último caso se presenta cuando una declaración implica su propia falsedad, es decir, su circularidad viciosa. (El ejemplo prototipo es la paradoja del mentiroso: "Yo estoy mintiendo.") Declaraciones paradójico constituyen un subgénero distinto del arte conceptual, sino que lo anthologize en una página aparte.
     
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Event Horizon,
1998, Nueva York. Hay vídeo de este trabajo en este blog.
Secreto

jueves, 6 de enero de 2011

JASPER JOHNS-GANADOR DEL PREMIO "JULIO GONZÁLEZ" 2010 DE LA GENERALITAT VALENCIANA

Julio González

JASPER JOHNS-GANADOR DEL PREMIO "JULIO GONZÁLEZ" 2010 DE LA GENERALITAT VALENCIANA

Jasper Johns (Augusta, Georgia, 15 de mayo de 1930 - ) es un pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha integrado a su expresión pictórica una serie de elementos del Arte Pop.
Creció en Allendale, Carolina del Sur. Estudió en la universidad de Carolina del Sur entre 1947 y 1948, para después trasladarse a la Parsons School of Design de Nueva York en 1949. Allí conoció a Robert Rauschenberg, Merce Cunningham y John Cage, con los que comenzó a desarrollar su obra. Entre 1952 y 1953 estuvo destinado en Sendai, Japón, durante la guerra de Corea.
En 1954 empezó a pintar obras que se centraban en temas como banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto escolar. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de 'arte-como-objeto' se convirtió en una poderosa influencia, bastante fuerte, en la escultura y la pintura posteriores. En algunos cuadros Johns añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas , compases, penes de goma, consoladores , entre otros. A principios de 1978 volvió a abrir una nueva senda al exponer en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas Las estaciones. Se considera que estas pinturas, de 2 mm por 1,25 mm, han sido especialmente significativas para la historia del arte estadounidense.

lunes, 3 de enero de 2011

WALK BY AT BASEL

video

MEL BOCHNER-1940-NUEVA YORK

Acerca de Este artista

Fuente: Oxford University Press Fuente: Oxford University Press

Americana conceptual artista, dibujante, pintor y escritor.
 América artista conceptual, dibujante, pintor y escritor.
 Él estudió pintura en el Instituto Carnegie de Tecnología, Pittsburgh (BFA, 1962).
 Estudio pintura en el Instituto Carnegie de Tecnología, Pittsburgh (BFA, 1962).
En 1964 Bochner se mudó a Nueva York.
En 1964 se Bochner Traslado de un Nueva York.
de su primera exposición (1966), descrito por Benjamin Buchloc tiene el primer arte conceptual de exposiciones, se celebró en el Visual Un rts Gallery, escuela   de Visual Nueva York, y titulado planos de ejecución y Otros visibles las cosas en el papel no necesariamente significaba ser vistos como A rt.
S u primera Exposición (1966), Por descrito Benjamin Buchloch Como El Primer Arte conceptual de Exposiciones, se celebro en la Galería de Artes Visuales, Escuela de Artes Visuales, Nueva York, y Titulado Trabajo dibujos y Otras Cosas visibles en el papel no necesariamente Ser significaba VISTOS ya Que El art.
I n su trabajo investigó la relación entre el pensamiento y el turismo.
 E n su Trabajo se investigó la Relación Entre el Pensar y de ver.
En sus primeros maduros obras (1966), que son a la vez conceptual y perceptual en base y filosófica en el contenido, que estaba interesado en eliminar el "objeto" en el arte y para comunicar sus propios sentimientos y personalidad l experiencia, y él no quiere aceptar histórico-artísticos establecidos convenios.
 En sus Primeras obras maduras (1966), hijo Que Tanto Conceptuales Como de percepción es la base filosófica y en el contenido, Que ESTABA Interesado en ELIMINAR el "Objeto" en el arte y el párrafo Comunicar SUS sentimientos y Experiencias Personales, y sin QUISO Aceptar establecido convenios de la historia del arte.
 También experimentó con palabras-dibujos y sistemas numéricos.
TAMBIEN Experimento Con La palabra-los Dibujos y Sistemas Numéricos los.
 Por su Medida ción serie (finales de 1960) que utilizan la cinta negro y Letraset para crear dibujos acompañados de mediciones directamente sobre las paredes, por lo que efectivamente diagramas a gran escala de las habitaciones en la que fueron instalados.
Por su serie de Medición (Finales de 1960) Que utilizó la cinta negro y Letraset párr Crear dibujos acompañados de Medidas Directamente Sobre las paredes, Lo Que Efectivamente escala Diagramas Grandes de las habitaciones ¿en las Que se instalaron.
Bochner continuó haciendo serie de dibujos lineales instalativo en los años 1970 y 1980, pero a partir de 1983 hizo pinturas en lienzos con formas irregulares que pueden ser interpretadas como meditaciones sobre el dibujo y la interrelación entre la mente, el ojo y la mano
 Bochner siguio Haciendo Una serie de dibujos instalativa en los años 1970 y 1980, but from 1983 Hizo pinturas en lienzos con forma irregular Que Puede Ser interpretado Como Meditaciones Sobre la elaboración y la interrelación Entre la mente, el ojo y la mano.
 Ellos mostrar hicieron enérgicamente marcas, todo el rastreo de movimiento de la mano a través de superficies específicas.
 En ellas se muestran con fuerza Hace Marcas, Todos los Movimientos de Seguimiento de la mano a Través de superficies Específicas. A partir de la década de 1990 que estaba tratando con los sistemas visuales y de percepción de la perspectiva. Desde la Década de 1990 se trataba de los Sistemas visuales y de percepción de la perspectiva.
Sala de Medición, MOMA, 1969

ART&LENGUAJE-MEL BOCHNER

MEL BOCHNER

Blah blah blah blah en Londres, 2012

domingo, 2 de enero de 2011

IAN WILSON

A finales de los años sesenta hubo un artista cuya obra se alineaba  en la tendencia a la desmaterialización del objeto artístico.
Ian Wilson optó por una praxis artística que renunciaba radicalmente a todo tipo de materialización.El arte spoken o arte hablado fue su actividad artística exclusiva hasta los años ochenta,cuando empezó a editar libros artísticos.

NO SOY POETA
Y PARA MÍ LA
COMUNICACIÓN
ORAL ES UNA ESCULTURA
kunstverein.nl  9 de ost-9 nov.2009 Daniel Marzona "Arte Conceptual" Taschen-2005

EXPOSICIÓN DE LEVERKUSEN "KONZEPTION-CONCEPCION"-1969

Roabert Barry presentó cinco comunicaciones linguísticas que hacían referencia a procesos inconscientes.Obras como

ALGO QUE ME ES DESCONOCIDO PERO QUE ACTÚA SOBRE MÍ

ALGO QUE ESTÁ MUY CERCA EN EL ESPACIO Y EN EL TIEMPO PERO QUE TODAVÍA DESCONOZCO

Por su forma abiertamente linguística estas obras de Barry registran la pérdida de la referencia concreta para provocar en el receptor asociaciones libres,juegos de lenguaje,escuchar lo fónico,o construir un texto propio,y siguiendo a Freud "el inconsciente habla más de un dialecto"

sábado, 1 de enero de 2011

LAWRENCE WAINER (1942) NUEVA YORK

Exposición de dibujos en MACBA
Barcelona desde marzo al 24 de Junio de 2013-